音楽活動

🔸 ざっくり内容： シンガーソングライターの花野縁（はなのえん）さんが、自身の楽曲制作についての考えやプロセスを語ります。 ### 楽曲制作のスタイル 花野さんは、基本的に「詞先」つまり作詞を先に行うスタイルで曲を作ります。これは、自己流で作曲を始めた時に自分に合っていたためです。曲を作る際は、あまり「良い曲」を意識せず、自分の心から生まれた歌詞やメロディーをフルコーラスで形にすることを重視しています。 ### 制作のプロセス 曲の構成は、Aメロ、サビ、イントロ、アウトロ、どこからでも作り始めることがあります。これまでにデモ音源として100曲以上を作りましたが、その中にはお蔵入りした曲も多いといいます。また、転調に関しては感覚を重視しつつ、意図的に行う場面も多いです。 ### アレンジについて 編曲は専門のアレンジャーに委ねており、必要な要望は事前に伝えます。過去には編曲も含めて全て自分で行うべきか悩んだ時期もありましたが、エンジニアの一言で心が軽くなり、他の人に任せることにしたそうです。 ### 創作の支え インディーズアーティストとしては、多くのプロセスを一人で行う必要がありますが、協力者の存在が作品の完成に欠かせないと感じています。また、リスナーの存在が創作への原動力になっています。 ### 最後に 花野さんは、KOKIAの「夢の途中」を聴きながら、困難な時期を乗り越えています。自身の理想にはまだ遠いものの、地道に努力を続けていくと語ります。読者への感謝の気持ちを表し、公式リンクも紹介しています。 シンガーソングライターとして、彼女の作品や制作過程への理解が深まる内容です。興味がある方はぜひ、彼女の楽曲に触れてみてください。 🧠 編集部の見解： この記事は、シンガーソングライターの花野縁さんが自身の楽曲制作について詳しく語っていますね。音楽の創作過程や、彼女の作曲スタイルについて、いろいろな考察があり、非常に興味深い内容です！ ### 感想 花野さんの「詞先」での作曲スタイルには共感を覚えます。多くの作曲家がメロディーからアプローチする中、彼女のように歌詞先行で作ることで、より感情に寄り添った楽曲が生まれるのではないかと思います。「良い悪い」を気にせずに創作に没頭する姿勢も魅力的で、音楽の本質的な楽しさを感じます。 ### 関連事例 例えば、映画音楽の作曲家では、ジョン・ウィリアムズが大ヒット作品を数多く手がけていますが、彼もまたシナリオやキャラクターに深く感情移入しながら楽曲を作り上げています。映画音楽とシンガーソングライターは異なるフィールドですが、感情が大切だという点では共通していますね。 ### 社会的影響 近年、こうした自分自身の感情や体験を素材にした音楽が多くのリスナーに支持されています。特にインディーズシーンでは、個々の個性が色濃く反映されるため、リスナーとの距離が近く感じられます。その結果、アーティストとファンの関係もより密接で温かいものになっていると思います。 ### 背景と豆知識 音楽制作において、編曲やプロデョースを専門の方に任せるアプローチは、特にインディーズアーティストにとって重要です。実際、ビートルズの初期曲も、メンバーが演奏だけでなく、プロデューサーのジョージ・マーティンのアドバイスを受けて完成度を高めていきました。このように、個人の力だけではなく、周囲のサポートがあることでより良い作品が生まれるのですね。 花野縁さんの活動を応援しつつ、これからも彼女の音楽に触れながら、自分自身の気持ちを大切にしていきたいと思います！ 🎶 ...

🔸 ざっくり内容： ジャズセッション定番曲「Black Nile」の魅力 「Black Nile」は、Wayne Shorterが1964年にリリースしたアルバム「Night Dreamer」に収められた楽曲で、ジャズセッションにおいて非常に人気のある定番曲です。この曲は印象的なイントロと無国籍なメロディを持ち、特にジャンルを問わないフックのある楽曲として多くの演奏者に親しまれています。 ポイント1：Wayne Shorterと「Black Nile」 Wayne Shorterは新時代のジャズを牽引するサックス奏者であり、「Black Nile」は彼の代表作の一つです。曲はファンクの要素を含み、弾くだけでも楽しめるリズミカルな構成が特徴。特に、Lee Morganとの共演や、Elvin Jones、McCoy Tyner、Reggie Workmanとの強力なリズムセクションによって、楽曲は更に魅力を増しています。 ポイント2：歌入りバージョン この曲は多くの場合、女性シンガーによる歌入りで演奏されます。1993年に録音されたVanessa Rubinのバージョンは、フュージョン・ポップス的なスタイルで、整理された音が特徴的です。 ポイント3：歌詞の背景 曲の歌詞は後付けされたもので、主に景色や歴史をイメージさせる内容になっています。「黒いナイル川に沿って、魂が解放される」感覚が歌われ、それを通じて古代の遺跡や神殿への思いを表現しています。 ポイント4：曲の構成 「Black Nile」は特徴的なイントロとAABAの構成を持ち、モーダルな雰囲気が感じられるメロディは、耳にも残るキャッチーなものです。 ポイント5：多様なバリエーション 近年のさまざまな演奏があり、特に山中千尋やGregory Porterのバージョンは、それぞれ異なるアプローチを見せています。速いテンポでの演奏や、スキャットを交えたスタイルが魅力的です。 結論 「Black Nile」は、Wayne Shorterの才能を示すだけでなく、ジャズの多様性を楽しめる曲です。この楽曲の様々なバリエーションを聴くことで、ジャズの輪郭がより豊かになることを実感できるでしょう。 🧠...

🔸 ざっくり内容： ゲーム「Expedition 33」と人生の選択 「Expedition 33」とは、アートをテーマにしたゲームで、そのストーリーはプレイヤーに深い選択を迫ります。舞台はルミエールという場所で、そこでの人々は自らの寿命を知り、残りの一年をどう過ごすかを決める必要があります。彼らには「ペイントレス」と呼ばれる敵を討伐する使命があり、多くの先人たちがこの挑戦に命を落としています。 このゲームの面白さは、斬新なシステムと美しい映像、そして感動的なストーリーにあります。特に、歳を重ねると新しい冒険よりも安定を求めるようになる心情が、プレイヤーに共感を呼び起こします。若い頃は冒険を求めていたが、年齢と共に「疲れ」を感じやすくなるため、波風の立たない日常を好むようになるのです。 音楽や趣味においても、刺激的な体験よりも心地よい familiar sounds を選ぶ傾向が強まり、この選択は人生の有限性とも関連しています。作者は、「新しい音楽を冒険として楽しむか、愛する音楽で安定を図るか」という二択に直面します。 ゲームの副題「Clair Obscur」が示すように、創造と消失、安息と緊張の間で葛藤する姿を描いています。アートは本質的に疲れるものであり、それに直面することが実は素晴らしい体験であると気づくことが重要です。 このように、「Expedition 33」は、人生の選択やアートに対する姿勢を問いかける深い作品であり、プレイヤーは自身の価値観と向き合うことが求められます。 🧠 編集部の見解： この記事から感じるのは、人生の選択とその影響についての深遠なテーマです。特に「Expedition 33」とそのストーリーが私たちに問いかけるのは、限られた時間の中で何を選び、どのように生きるのかということです。この二択は、まさに「安息」と「冒険」の間で揺れ動く私たちの心を映し出しています。 筆者が触れている「疲れ」というテーマも興味深いですね。特に年齢を重ねるにつれて、心の疲れが増していくという感覚は、多くの人が共感できる部分ではないでしょうか。私たちは日常生活の中で、興奮や刺激を求める一方で、心地よい安らぎを求めるようになります。この「疲れ」と向き合うことが、実は人生を彩る大切な要素であるという視点には、思わず考えさせられました。 また、「Clair Obscur」という副題が示すように、アートは単なる癒しではなく、しばしば痛みや闘争、そして創造を伴うものだと指摘しています。アートは私たちに「疲れ」をもたらすものですが、その疲れが新たな視点や深い感動を生む可能性を秘めているのです。筆者が音楽やドラマのジャンルを選ぶ際に感じる苦悩も、そうした選択の中でどれだけ自分を開放できるかという試練かもしれませんね。 最後に、「Catch 33」とその背景に触れられているのも、筆者の知識の深さを感じさせます。このように、アートや音楽は単なる娯楽ではなく、私たちの内面に深い影響を与えるものだということを理解することで、もっと豊かな人生を送る手助けになるなと感じました。 ...

🔸 ざっくり内容： シエシ度が新たに歌ってみたMIX・パラミックスの依頼を開始 作曲家のシエシ度が、本格的に「歌ってみたMIX」と「パラミックス」のサービスを提供することを発表しました。ここでは、彼のサービスの特徴や特別割引について詳しく紹介します。 歌ってみたMIXの特徴 ボーカル重視: 歌の表現を大切にしながら、自然な音質を引き出す補正。 徹底した補正: 他では行わない細やかな調整。 初回限定割引: 最初の10名には2000円OFF。過去に依頼したことがある人は3000円OFF。 パラミックスの特徴 ナチュラルさを追求: 聞き応えのある音に仕上げるため、加工も行う。 全パート補正: ただミックスするだけでなく、細部まで手を加える。 スキル活用: 編曲や必要な楽器パートの追加も可能。 初回限定割引: 最初の10名には5000円OFF。 リーダーの方は、特別割引や詳細情報をココナラで確認できます。また、XのDMから直接依頼すれば、さらに10%OFFでサービスが受けられます。まずはココナラを通して申し込むと、上手に割引を利用できるでしょう。 作編曲の依頼も引き続き受付中 シエシ度は、作曲や編曲のリクエストも受け付けていますので、興味がある方はぜひご利用ください。 🧠 編集部の見解： この記事は、シエシ度という作曲家が歌ってみたMIXやパラミックスのサービスを始めたことを伝えていますね。彼のアプローチは、ボーカリストの意図を最大限に尊重し、声を引き立てる丁寧な音作りが特徴です。このように、個々のアーティストを際立たせる技術って、今の音楽シーンにおいて非常に重要だと感じます。 例えば、最近の音楽ストリーミングサービスの普及により、自宅で録音した楽曲が簡単に配信できるようになっています。そのため、クオリティの高いミックスが求められる機会が増えています。シエシ度さんのサービスは、そうしたニーズに応えるものだと感じました。 社会的影響としては、こうしたサービスがアマチュアやインディーズアーティストにとって大きな助けになることが挙げられます。プロの手を借りることで、彼らの音楽がより多くのリスナーに届く可能性が高まるのです。 背景として、音楽制作の技術が発展したことで、今や誰でも簡単に音楽を作りやすい時代に。特に、最近ではAIの進化もあって自動でミックスしてくれるソフトが増えてきました。その中で、シエシ度さんのように人間の感性を大切にした丁寧な作業が、逆に希少価値を持つ存在になっていくのかもしれません。 最後に、初回の割引はお得ですね！自分も思わず試してみたくなりました。音楽制作から躍進していくアーティストを支援する姿勢には共感を覚えます。ぜひ、多くのアーティストが彼の技術を体験して、素晴らしい音楽を生み出してほしいです。 キーワード:...

🔸 ざっくり内容： シンガーソングライターの高尾伶さんが、東京での生活を終え、愛知の実家に戻ったことを報告しています。長年の生活環境の変化に戸惑いながらも、就職を果たし、新しい日常に対応している様子を描写しています。 最近はSNSの更新が滞っており、心の中では音楽への思いを大切に守っている状態です。地元の友人ともまだ再会しておらず、少し孤独に感じつつも、それが悪いとだけは思っていないといいます。自宅の子供部屋には防音材を設置したことで、音楽制作の準備が整ったとも語っていますが、自分の新たな状況を受け入れ、次のステップへ進むための努力を続ける意志を持っています。 高尾さんは、創作は気持ちの余裕があってこそ行えるものであると気づき、焦らずに音楽活動を続ける意欲を持っています。今後の新曲リリースにも期待が寄せられています。 「焦らず力まず」という姿勢で音楽の道を進む彼女のこれからに、ぜひ注目したいですね。 🧠 編集部の見解： 高尾伶さんの記事を読んで、彼の心情や生活の変化に対する考え方がとても共感を呼びました。やっぱり、環境が変わるとどうしても心の持ちようが微妙に揺れ動きますよね。彼が東京から愛知の実家に戻ったということは、多くの人が経験する「帰郷」の一つの形でもあり、親しんだ場所での安らぎや新しい挑戦が同居する葛藤が伝わってきます。 特に興味深かったのは、クリエイティブなプロセスに関する彼の考え方です。「絶望的なときこそ創作があふれる」と感じるミュージシャンが多い中、高尾さんはある程度の余裕がないと創作できないと語っています。これは多くの人が抱える悩みで、特にアーティストにとっては非常に重要なポイント。創作は感情の表現であり、余裕がないとその表現が難しくなるのは共感できます。 私自身も、人生の中で変化が多かった時期に音楽を通じて自分を見つめ直すことができました。音楽って、環境の変化や心の揺れに対する一つの答えになる場合もあるんですよね。 彼が言うように、「焦らず力まず」という気持ちで、今後の音楽活動を続けていってほしいです。新曲のリリースが楽しみですし、また東京に戻ってくる日が来るのかも興味深いです。帰郷の経験が音楽にどのように反映されるのか、その変化を見守りたいです。 キーワード: 創作 防音材 をAmazonで探す ...

🔸 ざっくり内容： アーティストのメンタルヘルス向上のためのガイド こんにちは、アーティストメンタルサポーターの山口美智代です。最近、ステージに立つことに対する不安や創作の停滞を感じていませんか？多くのアーティストが経験するこれらの感情は、しっかりとした自己診断や適切な対策を講じることで克服できます。 現状を理解する重要性 まず、現在の自分の状況を把握することが大切です。今が「マイナス」なのか「ゼロ」なのか、自己評価を行いましょう。これにより、今後の行動が明確になります。 「マイナス」の状態とは 疲れやストレスが蓄積している状態を指します。具体的には、パフォーマンス低下や漠然とした不安、体調不良などが典型です。この状態から抜け出すためには、以下の対処法があります： 定期的な休息の確保 SNSやニュースを控える（デジタルデトックス） メンタルケアの学習・実践 食生活と運動の見直し これらの実践により、気力や創造性が高まり、より良い状態を目指せるようになります。 ステップアップを目指す 「マイナス」から「ゼロ」に戻ったら、次は「ゼロ」から「イチ」へと進む段階に入ります。この段階では、さらなるスキル向上や新しい挑戦に挑むことが重要です。具体的なアプローチは以下の通りです： 明確な目標設定 大きな目標を小さく分け、達成感を得る タスクの優先順位を決め、行動を習慣化 メンタルトレーニングを通じて基盤を固めた後は、積極的に新しい表現方法やファン層拡大を目指しましょう。 まとめ 現状を変えるためには、まず「マイナス」を放置せず、「ゼロ」の状態に満足しないことが大切です。自分のペースで進むことが鍵となります。今日からできる小さな一歩を考えてみましょう。 興味がある方は、アーティストメンタルサポートのメンタルトレーニングや心のレッスンもぜひご覧ください。あなたのアーティスト活動がより良いものになるよう、サポートいたします。 🧠 編集部の見解： この記事は、アーティストが抱えるメンタルヘルスの悩みについてと、その克服方法を提案していますね。特に、創作活動において「マイナス」の状態に陥ることは多く、多大なストレスや不安がアーティストの質を損なうことがあります。 ### 感想 私も多くのアーティストたちが抱える不安や焦燥感には共感します。特に、完璧主義な人ほど、期待に応えようとするあまり、自分を追い込んでしまうことがあると思います。自分のパフォーマンスが低下すればするほど、ますますプレッシャーがかかり、またそれがさらなる不安を生み出すという悪循環に陥りますね。 ### 関連事例 例えば、著名なアーティストたちも同様の問題に直面しています。ビートルズのジョン・レノンや、現代のアーティストでも精神的なサポートを必要とするケースが増えてきています。彼らは、自身の内面的な葛藤を表現することで多くの人に共感を与えていますが、同時にその影響で精神的に疲弊することもあります。 ### 社会的影響 このようなメンタルヘルスの問題が注目されるようになったのは、特に近年の社会情勢とも関係があります。新型コロナウイルスの影響で多くの人々がストレスを抱え、自他共に厳しい状況が続いています。そのため、メンタルヘルスサポートはより重要視されるべきテーマとなっています。 ### ちょっとした背景や豆知識 ちなみに、「マイナス」の状態を自己診断する方法の一つに、日記を書くことが挙げられます。日々の感情や出来事を記録することで、自分の感情の変化に気づきやすくなります。また、アートセラピーもおすすめで、創作を通じて自分の内面と向き合う手法です。 このように、自分自身を見つめ直すことが、アーティストにとって創作の活力にもつながるということを理解し、実践していくことが大切ですね。この記事が多くの人にとって、少しでも助けになることを願っています！ キーワード: メンタルサポート 演奏メンタルトレーニング...

🔸 ざっくり内容： 在宅副業の新しい可能性：“AI音楽×YouTube BGM動画” 自宅で働くことを希望しながらも、始め方が分からなかったり、パート収入だけでは生活が厳しかったりする方は多いでしょう。この記事では、「AI音楽×YouTube BGM動画」で月15万円以上の安定収入を得る具体的な手順を解説します。もし、情報を集めるだけで行動に移せない状態が続いているなら、あなたは「副業ジプシー」かもしれません。 脱却のストーリー 著者は妊娠中に適応障害を抱え、出産後も育児に追われた結果、自信を失うことに。そこで深夜に検索を繰り返し、様々な副業に手を出しますが、どれも続かず挫折。最終的に、自分の特性に合った「AI音楽×YouTube BGM動画」と出会い、成功の道を開くことになります。 なぜこの方法が最強なのか？ グローバルなリーチ: YouTubeは世界中に視聴者がいるため、顔出しや声出しが不要。 成長市場: AI音楽は急成長中で、競合も少なく、今がチャンス。 初心者向け: 成功モデルが少ないため、ノウハウを再現しやすい。 リスクが低い: 初期投資が少なく、失敗しても損失が少ない。 長時間再生: BGM動画は再生時間が稼ぎやすく、収益化が容易。 YouTube収益化の現実 BGM動画は視聴者が長時間流し続けるため、収益化の条件達成が簡単です。成功例では、1本の高再生数BGM動画から数十万円の売上が見込まれています。 よくある疑問と回答 収益化停止のリスク: 適切なコンテンツ運用を行うことで避けられます。 難易度: 簡単ではありませんが、正しい方法で続ければ成果が早く出ます。 継続するためのマインドセット 「やめない覚悟」が成果を引き寄せます。 続けることで確実に伸び、成果がついてきます。 成功をサポートする特典 この教材には多数の特典が付属しており、初心者でも成果を上げられるようなサポートが提供されます。 おすすめする人とそうでない人 おすすめ: 在宅ワークでの安定収入を求める方。 AI音楽への興味がある方。 向いていない人: 簡単に稼ぎたいと思っている方。 行動せず、知識だけ求める方。 この新しいビジネスモデルを通じて、家計に余裕を持ち、自己肯定感を回復したい方は、ぜひ行動に移してみてください。継続は力なりです。 🧠 編集部の見解： この記事では、在宅副業の新たな選択肢として「AI音楽×YouTube BGM動画」が提案されています。筆者の個人的な体験を通じて、多くの人が感じがちな悩み—たとえば、メンタルヘルスの問題や家庭のストレスから副業を始められない状態—が描かれています。この情報は、特に家庭を支える立場にいる人々にとって共感しやすく、背中を押される部分が多いです。 ### 関連事例と社会的影響 AI音楽が急成長する背景には、音楽産業全体が新しい技術に適応していることがあります。例えば、ストリーミングサービスへの移行が進む中で、従来の音楽制作が簡素化されていることが影響を与えています。また、BGM動画が人気を集める理由も、言語の壁を越えて世界中の視聴者にアプローチできる点です。 副業や新しい収入手段が増えることは、経済的な安定を目指す家庭にとって非常に重要です。特に、コロナ禍での在宅勤務の普及が、副業やフリーランスになりたいと思う人々を後押ししている現状があります。 ### マインドセットと行動の重要性 筆者は特に「やめない覚悟」が成功の鍵であると強調しています。多くの人が初めての挑戦で挫折しがちですが、長期的な視点を持つことが成功につながると感じます。私自身も、何回も挑戦と失敗を繰り返してきた経験があるので、そのメッセージに共感します。 ### 豆知識 最近の調査によると、自宅で働くことで生じるコスト削減（交通費や外食費の削減）が、家庭全体の経済にプラスに働くことがあります。さらに、AI音楽ツールが進化することで、これまでクリエイティブな分野に手を出せなかった人たちも参加できるようになっているのは、社会的にも意義のある変化でしょう。 この記事は、これからの時代に合わせた新しい働き方の可能性を示しており、多くの人々が自分の夢を追いかけられるような道を提供していると感じました。副業はただの手段ではなく、自己実現の一部になる可能性を秘めていますね。 ...

🔸 ざっくり内容： こんにちは、MINATです。今回は、Mixcloudのサブスクリプション機能「Select（セレクト）」について、ファンから直接支援を得る準備と心構えを解説します。 ✅ Mixcloud Selectとは？ Mixcloud Selectは、リスナーがDJを月額料金で支援できる機能です。このシステムでは、支援者はオフラインでのトラック再生や、全トラックリストの閲覧、限定コンテンツなどの特典を受け取れます。まさに「DJのファンクラブ」をテーマにしたサブスクサービスです。 ✅ Selectを始めるための準備 ブランディングを整える ジャケット画像やプロフィールを統一し、「応援したくなる世界観」を作りましょう。 無料ミックスを公開 高品質なミックスを定期的に投稿し、信頼を得ます。3〜5本のミックスを公開した後にSelectを始めるのが良いでしょう。 支援者限定特典を用意 限定コンテンツや小さな交流を設けます。「応援できる場」が大切です。 ✅ 注意点 定期的に投稿していない方や方向性が不明な方は、まずはコンスタントに無料ミックスを配信し、基盤を固めることが重要です。「月額を払いたくなる理由」をしっかり作りましょう。 ✅ おすすめのステップ プロフィールやSNSを整えて世界観を構築。 Mixcloudに3〜5本のミックスを公開。 Select開始をSNSで告知。 月1回の特典を用意。 支援者を徐々に増やす感覚で育てていく。 🎧 次回予告 次回は「ミックスをプレイリストのように楽しんでもらうための構成術」をテーマにお届けします。お楽しみに！私の新しいミックスも定期的にアップしているので、ぜひチェックしてください。 Mixcloudはこちらからご覧いただけます：MINATのMixcloud 🧠 編集部の見解： Mixcloud Select：新しい音楽支援のカタチ こんにちは！MINATです。この今回は、Mixcloudの機能「Select」についてお話しします。このサービス、特に音楽好きの方々にはかなり注目されているんじゃないでしょうか。 ☕️ Mixcloud Selectの魅力 Mixcloud Selectは、リスナーが月額料金を支払って、DJを応援する仕組み。これ、まさに「DJのファンクラブ」みたいですよね。YouTubeやSpotifyではなかなかできない、ファンとの直接的なつながりが魅力です。この形、特に今の時代に合っているなぁと感じます。 🎧 おすすめの準備 ブランディングの統一感： 自分のスタイルを明確にして、リスナーが「応援したい！」と思える世界観を作りましょう。たとえば、ジャケット画像やプロフィールをオシャレに揃えるだけで印象が変わりますよ。 無料ミックスでの信頼構築： 最初は無料で高品質なミックスを提供。これがリスナーとの信頼を築く第一歩です。まずは「音楽＋人柄」という部分で、共感を呼び起こしましょう。 支援者向けの特典を用意： ちょっとした交流やコンテンツを用意するのも効果的。こうした”ちょい特典”が、支援の理由につながります。 ⚠️ 注意点 もちろん、誰にでも合うわけではありません。例えば、投稿が不定期だったり、まだジャンルが確立していない場合は急がない方がいいかもしれません。やはり、”月額を払いたくなる理由”が重要です。 🌐 社会的影響 音楽業界がデジタル化する中、このようなマネタイズ方法が普及することは大きな変化です。アーティストがファンと直接つながることで、より親密な関係が築けるようになり、支持を得やすくなる。これが新しいエコシステムを作る可能性が大いにあると思います。 💡...

🔸 ざっくり内容： 最近、作曲に挑戦している方が、作曲の難しさについて語っています。簡単なユニークな曲は作れるものの、ちゃんと聴いてもらえる曲を作るのはやはり難しいと感じています。才能がある人は effortlessly 曲を作れることが驚きだと述べています。 舞台は、彼が作曲サービスを始めたことです。これは、練習を兼ねての取り組みですが、その結果、まだサービスが売れていない現実も直面しています。サンプルとしている曲が奇妙なため、依頼をしてくれる人がいないのではと考えています。 また、TuneCoreを通じて曲を配信販売することも検討中です。ヘンテコな曲ばかりですが、挑戦を続ける意欲があります。さらに、YouTubeにも新しい曲をアップするかもしれず、著作権の問題を抱えながらも楽しみながら取り組んでいる様子が伝わります。 このように、作曲の苦悩と創作活動への情熱が交差し、試行錯誤しながら進む姿が印象的です。 🧠 編集部の見解： この記事を読んで、作曲の難しさとその過程での自己反省が伝わってきました。自分の感性を形にすることは簡単ではなく、特に聴いてもらえるような作品となると、さらなる挑戦が待っていますよね。 作曲サービスを始めたところから、少しの冒険心を感じます。失敗を恐れずに試してみる姿勢は、まさにアーティストの鏡です。誰もが最初から成功するわけではないですし、そこでの経験が次につながることも多いと思います。 また、曲を作ることのプレッシャーや、周囲の期待に応えようとする気持ちもわかります。音楽の世界では、特に「凡人」の感じる壁というのは少なからず存在しますが、逆にそれを乗り越えたときの達成感は大きいですよね。 背景として、最近では音楽配信プラットフォームのおかげで、素人でも自分の音楽を世界に発信しやすくなりました。ただ、同時に競争も激化しており、成功するためには独自性やアイデアが求められます。ヘンテコな曲でも、そこに自分の個性を注ぎ込むことで、他にはない魅力が生まれるはずです。 著作権の心配もリアルで、特に有名な曲からインスピレーションを受けた際は注意が必要。オリジナリティを大切にしつつ、楽しんで音楽制作を続けてください！実際に作品をアップし、反響を待ってみるのもいい経験です。その過程で得られる学びが、次のステップへの鍵になるでしょう。 キーワード: 作曲 作曲サービス をAmazonで探す 音楽配信サービス...

🔸 ざっくり内容： 新宿アンチノックの昼イベントについて 2025年6月7日、新宿アンチノックでの昼ライブイベントに出演しました。この日は、5月の下北沢での2マンライブに続く4マン形式のイベントでした。朝からリハーサルが行われ、早い時間帯に会場入りする必要がありました。ライブは、午前10時にオープンし、正午に私たちの出番がありました。 驚いたことに、オープニングアクトのSLOTHREATの頃から多くのお客さんが集まり、イベント全体の楽しさが伝わってきました。4マン形式ということもあり、観客が「目当てのバンドまでに来ればいい」と思うかもしれませんが、実際には皆がイベントを楽しんでいるのが感じられました。 昼イベントのメリットとデメリット 昼のライブイベントにはいくつかの利点があります。 日光を浴びながら楽しめる 午後に他の予定があっても参加しやすい 夜のイベントに比べて競合が少ない 夜勤後に参加することも可能 ライブ後、飲食店に寄りやすい 終電を気にしなくてよい 会場のレンタル費も安くなることがある 特に「日光を浴びられる」という点は、ポジティブな感情を誘発しやすいという心理的効果もあります。逆に、夜のイベントではネガティブな思考が生まれやすい傾向があります。 しかし、昼イベントにはいくつかのデメリットもあります。たとえば、観客の集まり具合やバンドのパフォーマンスによって、盛り上がりが異なることがあります。この点は注意が必要です。 全体として、昼イベントは観客に新たな楽しみを提供する素晴らしい機会となることが期待されます。参加してくださった皆様に感謝しています！ 🧠 編集部の見解： 最近の昼イベントについての感想、興味深いですね！確かに、昼間のライブには独自の魅力とメリットがあります。例えば、日光を浴びることができるのは、音楽と一緒に心にエネルギーを与えてくれますし、午後の予定にも合わせやすいですよね。 私も覚えがありますが、夜のライブはどうしても疲れやストレスが溜まりやすく、観客もネガティブな雰囲気になりがちです。昼間だと気持ちも前向きになりますし、全体の盛り上がりにも好影響を与える気がします。お客さんが「イベント全体を楽しむ雰囲気」を持っていたというのも、注目すべきポイントですね。 また、昼イベントは会場費の面でも利点があるとのこと、これはバンドにとっても重要な要素です。昼間のライブ文化が広がっていくことは、アーティストや観客にとって新しい発見や楽しみを提供する機会にもなります。 豆知識として、実際に昼の音楽イベントは海外でも増えてきているんですよ。たとえば、アメリカの「ブランチライブ」など、昼間の時間を活用するスタイルが人気を集めています。飲食とライブが一体となることで、さらに多くの人が気軽に足を運ぶことができるのです。 今後も昼イベントが増えると、より多くの人々に音楽を楽しんでもらえる環境が整いそうですね！お疲れ様でした、次回のイベントも楽しみです！ キーワード: 昼イベント このキーワードは、記事の内容を反映しており、昼間のライブに関するメリットやデメリットを中心に展開されています。 ライブハウス をAmazonで探す ...

🔸 ざっくり内容： この記事は、ある中年の男性が人生の終わりについて考えながら、音楽に再び情熱を抱く様子を描写しています。彼は布団にくるまりながら「死」というテーマに向き合い、図書館や公園に出かけては新しい刺激を求めています。公園でリンドバーグの楽曲に触れたことで、音楽の楽しさを再発見し、かつて学生時代にギターに夢中だったことを思い出します。 背景情報: 中年期に差し掛かると、多くの人が人生の意味や終焉について考えることが多くなります。この男性もその一人で、音楽という自己表現を通じて希望や再生を求めています。音楽は、年齢に関係なく自己表現の手段となることの強調にもなっています。 このように、人生の岐路に立った中年の男性が音楽で再生を目指す姿は、多くの人に共感を呼ぶテーマです。音楽がもたらす力や新たな挑戦への意欲が、今後の彼の道をどのように切り開いていくのかが見どころです。 🧠 編集部の見解： この記事を読んで、筆者が感じた「生きることへの葛藤」がすごく共感できました。特に「布団にくるまる日々」という表現は、どこか切なさを感じさせますよね。私も時々、自分の存在意義について考え込むことがあります。 筆者が音楽に触れることで新しい発見をしている様子も印象的です。音楽は多くの人にとって、心の支えになったり、孤独感を和らげたりする力があります。リンドバーグの「今すぐキスミー」を聞いて楽しくなったというエピソードは、音楽が持つ「癒し」や「勇気づけ」の力を象徴していると思いました。このように、誰かの音楽が他の人を元気にする瞬間は、本当に素敵ですね。 また、中年になってからの音楽活動というのも面白いポイントです。最近では、大人になってから音楽を始める人が増えているので、時には新しい挑戦が自己成長につながることも. これに関連する話で、シニアのバンドや合唱団が増えてきているというのも興味深いですね。年齢に関係なく、自分の好きなことを続けることは、心の健康にもつながるのでしょう。 音楽だけでなく、他の趣味やアクティビティを通じても、何気ない日常から新たな発見や楽しみを見つけることができる。これからの社会でも、そういった挑戦や自己表現の場をどんどん増やしていきたいですね。 キーワード: 音楽 ギター をAmazonで探す ...

🔸 ざっくり内容： 最近、音楽活動は少なくなっていますが、熱心に活動していた頃は、毎週ライブハウスやクラブで演奏していました。年間で50回以上のステージに立っていたと懐かしく思います。ライブハウスとクラブにはそれぞれ独特の雰囲気があったように感じます。 クラブは洗練された空間で、フレンドリーな人が多い反面、オーディエンスは共通の音楽体験に向かって一体感を感じていました。このため、多様性や独自性を持たないと受け入れられにくい雰囲気もあったようです。 一方、ライブハウスは偏った趣味を持つ人々が集い、結果的に多様性が生まれる場所でした。ハードコアやノイズミュージックが演奏される中、静かに楽しむお客さんも多かったです。演者と観客の間に心温まるコミュニケーションがあったのも印象的でした。 どちらの場が自分に合っていたかはわかりませんが、ライブハウスには独特な人々が集まり、特異なバンドも登場するなど、ユニークな体験がありました。多くのバンドがクラブでの演奏に居心地の悪さを感じることもあるだろうと考えています。音楽の世界は多様性があり、簡単ではないと思います。 🧠 編集部の見解： この記事からは、音楽の現場が持つ独自の文化や雰囲気についての深い洞察が感じられますよね。ライブハウスとクラブの違いは、その音楽に対するアプローチやオーディエンスの在り方に現れているようです。 例えば、クラブのオーディエンスは一体感があり、共通の音楽体験を追求する傾向がありますが、ライブハウスにはより多様な人々が集まり、個々のスタイルや趣向が尊重される印象がありますよね。これって、音楽というアートの可能性を広げる重要な要素だと思います。 私も音楽イベントに行くと、あちらこちらで色んな人の個性に触れるのが好きです。「ありがとう」とかの一言があるだけで、その場の雰囲気が和らぎ、参加者同士のつながりも生まれますよね。このコミュニケーションの重要性、特にライブハウスではより強く感じられます。 さらにこのような場所は、音楽だけでなく、自己表現の場としても機能している気がします。独特なバンドやアーティストたちがピュアな表現をすることで、観客も自身のスタイルを探求することができる、そんな環境が醸成されています。 豆知識として、現在では音楽の配信が主流になり、実際のライブ体験が希少になりつつある中、こうした場所の価値が一層際立っていると思います。ライブハウスでしか味わえない臨場感や、温かいコミュニティの力は、今後ますます重要になっていくのではないでしょうか。 音楽活動が以前より減少したということですが、また機会があれば、そんな独特な場での再会が楽しみですね。音楽は自己表現の手段であり、それを共有する場所があるというのは、心豊かにしてくれるものです。 キーワード: 多様性 音楽機材 をAmazonで探す ライブ活動を支えるための音楽機材はとても重要です。あなたの音楽活動をさらに豊かにするアイテムを見つけるチャンスです！ ライブハウスのチケット をAmazonで探す 独特な空間でのライブを楽しむために、ライブハウスのチケットを手に入れて、素敵な音楽体験を！ ノイズ音楽 をAmazonで探す ハードコアやノイズのジャンルを探索して、自分だけの音楽の世界を広げてみませんか？ 📎 元記事を読む

🔸 ざっくり内容： アメリカン・ロックとその影響 背景情報: アメリカン・ロックは、アメリカの音楽文化の中で重要な位置を占めており、多くのミュージシャンに影響を与えてきました。このスタイルには、ブルース、カントリー、ジャズなど様々なジャンルが融合しています。アメリカの社会や生活様式とも深く結びついているため、音楽を通じてその精神が伝わります。 この記事では、筆者が25年以上前にアメリカを訪れた際の思い出が語られています。初めての海外旅行はロサンゼルスでのストーンズのライブで、その経験が今の自分の音楽活動に大きな影響を与えたとのこと。筆者は「ビートルズな男」と自称しつつも、アメリカン・ロックの魅力をしっかり認識しているようです。 音楽における「アメリカン・ロック」の意義 アメリカン・ロックには、タイトでエネルギッシュな演奏が特徴です。筆者はその音楽が「真のアメリカ、そして真のロック」だと信じており、ZZトップやメレンキャンプの作品を推奨しています。アメリカン・ロックのサウンドは他国では生まれないもので、その独自性が特に魅力的だと述べています。 音楽の力と影響 音楽は人生において重要な役割を果たしており、筆者はさまざまなアメリカの音楽を聞くことで自分の人生が豊かになったと感じています。アメリカン・ロックを通じて学んだのは、タフに生きること、そして夢を追い続けることの大切さです。音楽に触れ、感動することで、人生をリアルに考える機会を得てきたのです。 結論 アメリカン・ロックが持つ不思議なパワーは、聴く人々に「ロックな人生を生きる！」という意欲を与えます。筆者は、音楽が人生を変える力を持っていると信じ、その希望と楽しさを感じているのです。 最後に、筆者はBruce Springsteenのアルバム『Born to Run』を特に重要視しており、音楽を通じて得られる経験が人生にどれほど大きく影響するかを強調しています。 🧠 編集部の見解： この記事は、アメリカン・ロックの魅力やその影響を語る内容が印象的ですね。筆者自身の体験を通して、アメリカン・ロックが持つ「タフさ」や「クリエイティビティ」を強調しているのが印象的です。 特に、アメリカの文化とのつながりや、アメリカン・ロックがもたらす「生き方のスタイル」が感じられました。筆者は特定の音楽ジャンルに対して強い愛情を持っているようで、ビートルズへの思いも触れつつも、アメリカン・ミュージック派を自認する点が面白いです。 また、音楽を通じての人生の旅や成長の重要性が語られていることも心に響きました。音楽は単なるエンターテインメントに留まらず、人生を深く考えさせ、夢を持たせてくれる力を持っていると感じますね。 アメリカン・ロックの代表的アーティストやアルバムを挙げながら、聴くことで得られる経験についても触れていますが、「タイトなアメリカン・ロックにこそ真のアメリカがある」という視点は、新たな発見がありました。音楽を通して感じる「アメリカの文化」というのは、音楽だけでなく、社会の価値観や生き方にも影響を与えているのではないでしょうか。 最後に、アメリカン・ロックの背後にある力強さを伝えることで、読者にとっても新たな音楽との出会いや自己探求のきっかけになることが期待されます。音楽は、まさに「わくわくする冒険」であり、筆者が伝えたいメッセージが心に響きました。 キーワード: アメリカンRocK Bruce...

🔸 ざっくり内容： この記事では、デジタル時代におけるAI主導のウェブマーケティングの進化と、特に「Large Language Model Optimization（LLMO）」の重要性について解説しています。 背景情報 現在のウェブマーケティングは、AIの影響で大きく変化しています。従来のSEO（検索エンジン最適化）だけではなく、AIが適切に情報を理解できるようにコンテンツを最適化することが求められています。これにより、コンテンツクリエイターは新たなアプローチが必要です。 重要な視点 AI理解の必要性: AIは「シリコンの鳥」と呼ばれるプログラムが情報を処理するために、コンテンツがわかりやすく作られている必要があります。 検索トレンドの変化: ユーザーはもはや従来の検索手法を用いず、AIによる迅速な回答を求めています。このため、ゼロクリック検索が普及しているのです。 Googleの進化: Googleの市場シェアが低下し、AI検索が主流になりつつある現状がありますが、ウェブサイトの重要性は依然として存在します。 最後に LLMOは、コンテンツ制作における新たな戦略として、AIにとって理解しやすいコンテンツの提供が求められています。ウェブ環境が変わる中で、しっかりとしたコンテンツを生み出すことが今後の成功につながるでしょう。読者の皆さんは、これらの変化に対応していくことが必要です。 🧠 編集部の見解： この記事のテーマは、AIとコンテンツ制作の新しい関係性について。特に「Large Language Model Optimization（LLMO）」がどのようにウェブマーケティングやコンテンツ作成に影響を与えるのかを探っていますね。 ### 感想 AIが進化する中で、従来のSEOが変わりつつあるなと感じます。特に「Zero-click searching」の流行は、ユーザーが求める情報を一瞬で得ることができる時代を象徴しています。自分も日常的に、AIに尋ねることで手早く情報を得ることが増えています。個人的には、これが便利なだけでなく、情報過多の時代において本当に重要な情報にアクセスする助けにもなると感じます。 ### 関連事例 例えば、検索エンジンの巨人であるGoogleが市場シェアを失っているという事実は、大きな変化を示しています。ユーザーの検索スタイルが変わり、AIが提供する即時の回答が求められるようになりました。これにより、企業はコンテンツの質と形式を見直す必要がありますね。これまではキーワードの最適化が主流でしたが、今やAIが理解しやすいコンテンツ作成が求められるようになっています。 ### 社会的影響 この変化は、特にコンテンツクリエイターやマーケティングに大きな影響を与えています。AIを活用した情報収集や分析が進むことで、今後はさらにパーソナライズされた情報提供が可能になり、顧客との接点が変わるかもしれません。AIがより多くの仕事を担うことで、人間がどのようにクリエイティブな部分を強化できるかが重要な課題となりそうです。 ### 豆知識 「LLMO」の概念は、AIがどのように人間の言葉を理解するかに着目していますが、これはAIの学習アルゴリズムの進化とも関連しています。AIは、これまで膨大なデータを学習してきましたが、今後はその理解を深めるための新しいパラダイムが求められるでしょう。 結局、AI時代はクリエイティブな才能を生かすチャンスが広がっているともいえます。適応力が求められるこの時代に、私たちも新しい物の見方や考え方を取り入れていく必要がありますね！ ...

🔸 ざっくり内容： 近年、Suno AIなどの生成音楽技術が急速に普及し、多くの楽曲が生み出されています。かつての第一次（1947〜1949年）や第二次（1971〜1974年）ベビーブームに匹敵する音楽業界の「ベビーブーム」が訪れているかのように感じられます。これにより、誰でも簡単に高品質な音楽を制作できる時代が到来しました。 しかし、この状況に対して懸念を抱く人々もいます。特に、従来の音楽制作に情熱を注いできたアーティストたちです。彼らは長年の努力で得た技術や表現力が、AIによって容易に模倣されることに不安を抱いています。実際、ある友人の新作音源を聴いた際、彼の演奏スタイルとAIでのアレンジの類似性に違和感を覚えました。このように、AIの進化は、アーティストのアイデンティティや、個々の創造性への影響を引き起こしています。 生成音楽の普及は、多くの人々に音楽制作の楽しさを届ける一方で、従来の技術を重視する人々には複雑な感情を引き起こしているようです。このテーマについては、今後さらに深く探る必要があるでしょう。 🧠 編集部の見解： 最近、生成音楽の進化が著しく、特にSuno AIのようなツールが話題になっていますね。新しい楽曲が次々に生まれる中、音楽業界は再び活気を取り戻しているのかもしれません。この現象は、かつてのベビーブームのような形で、多くのクリエイターが自分の感性を表現したいという欲求に応えるものだと思います。 個人的に、AIによる音楽制作は、今まで音楽に関わりがなかった人たちでも、自分のアイデアを簡単に形にできるチャンスを提供しています。一方で、長年音楽に携わってきた人たちにとっては、それが新たな焦りや不安を生んでいるのではないかとも感じます。苦労して培った技術や感性が簡単に模倣されてしまうことへの葛藤は、確かに理解できます。 最近の友人の音源を聴いて、彼の成長を実感し嬉しい反面、あれ？と思う部分もありました。彼がAIを使うことで、彼自身のスタイルが薄れてしまったのではないかと感じさせられました。テクノロジーは便利さを提供する一方で、アーティスト自身の個性や試行錯誤のプロセスを奪ってしまう危険も孕んでいるのかもしれません。 それでも、AI音楽のメリットを享受しながらも、自分なりの「生っぽさ」を追求する姿勢が重要だと思います。これからも、音楽の未来がどのように変わっていくのか、楽しみですし、興味深いです。次回は、ドラマーのFさんとの議論も交えながら、さらに掘り下げてみようと思います。 この記事のキーワードは「生成音楽」です。 最近の音楽業界において、AIを活用した生成音楽が注目されており、多くのアーティストが新たな作品を生み出しています。この現象は、音楽の制作方法を大きく変える可能性を秘めていますが、同時に従来の音楽制作に取り組んできた人々にとっては複雑な感情を引き起こすことも述べられています。 以下に注目アイテムを3つ、Amazonリンク形式でご紹介します。 Suno AI をAmazonで探す DTMソフト をAmazonで探す 音楽制作機材...

🔸 ざっくり内容： Suno AIと音楽制作の未来 背景情報 音楽制作においてAIの活用が進む中、特に「Suno AI」を利用するアーティストたちの間で、AI生成音楽の魅力と課題が議論されています。本記事では、ドラマーのFさんとの対話を通じて、AI音楽に対する期待と不安が共有されています。 要約 Fさんは、Suno AIを使って自分のスタイルでドラムを叩く楽しみを見出していますが、AI生成音楽の特異性についても考えを持っています。彼は、AIが生成する楽曲はクオリティが高いにもかかわらず、実在のアーティストとの関係性が欠如していることに懸念を示しています。具体的には、AIが作る音楽に感動した際、その背景を掘り下げることが難しく、会話がAIの優れた技術で終わってしまうことがあるという点です。 さらに、FさんはAIの利用について、自分の創造性を高めるための補助的なツールと捉えています。彼は、AI生成の作品をDJのように選別し、自分のスタイルにアレンジすることが理想だと考えています。また、音楽制作において、人間の表現力や感情が重要であることを強調し、歌詞は自身の言葉で表現したいという固い思いも持っています。 重要な視点 AIとアーティストの関係: AI生成音楽において、実在のアーティストとのつながりが薄まっています。リスナーがアーティストやその背景に興味を持ちにくくなる懸念があります。 新しい制作手法の受け入れ: AIはあくまでアーティストの一部として位置づけられ、自らの感性を尊重しつつ新しい技術を取り入れる姿勢が求められています。 表現の大切さ: FさんはAI生成音楽に魅力を感じつつも、人間の言葉や表現の力、感情の宿った作品を大切にしたいという強い意志を持っています。 結論 Suno AIなどの生成音楽は、アーティストに新しい可能性を提供していますが、一方で人間らしい感情や関係性が薄れることへの懸念も大きいです。アーティストとして、自身の表現を保ちながらAIの力を活用することが、今後の音楽制作において重要なテーマとなるでしょう。 🧠 編集部の見解： この記事では、AIによる音楽制作の進化とその影響について、筆者のFさんの意見を通じて探求しています。特に、AIが生成した楽曲に対する感動と、その背後にある作者の不在に対しての葛藤が印象的です。音楽を愛する私たちにとって、アーティストの背景やストーリーは重要であり、AIによる無名の楽曲が新たな文化を生み出す可能性について考えさせられます。 ### 感想 AIの音楽生成技術は、確かに楽曲のクオリティを向上させ、多くの楽しみを提供していますが、やはり「誰が作ったのか」という問いに対する答えが希薄になることには寂しさを感じます。音楽はただの音ではなく、アーティストの感情や背景が詰まった創造物だからです。Fさんのように、AIと共存しつつ、独自の音楽の「深さ」を追求する姿勢が新しい時代の選択肢かもしれません。 ### 関連事例 音楽だけでなく、アートや文学でもAIの影響が顕著です。例えば、AIが描いた絵がオークションで高額で取引されることもあります。このような事例が増える中で、私たちは「創造性」や「著作権」に関する新しい基準を模索する必要があります。 ### 社会的影響 AI音楽生成は、音楽業界の構造にも影響を及ぼすでしょう。従来の作曲家や演奏者がAIにとって代わられる可能性もありますが、それでも人間の感情や体験がこもった音楽が求められる限り、アーティストの存在は重要です。音楽が「商品」としてではなく、感情的なつながりの媒体として受け継がれていくことが期待されます。 ### 豆知識 実は、AIが生成する音楽の大部分は、既存の楽曲を分析し学習することで作られています。この「学習」が進む中で、AIは既存のスタイルを模倣するだけでなく、新しいスタイルやジャンルを生み出す可能性も秘めています。ただし、真の独創性は人間の感情や経験から生まれるものであるという点は忘れてはいけません。 このように、AIと人間が協力し合うことで、音楽の未来はより豊かで多様なものになると信じています。 ...

🔸 ざっくり内容： EAMT—感情ミキシング技術の進化 背景 音楽は感情を伝える強力な手段であり、技術の進化によってその表現が変わりつつあります。この記事は、音楽における感情表現の新たなアプローチ「EAMT（Emotional Audio Mixing Technique）について探求します。従来の音楽理論を超えたこの技術は、感情を音声に直接埋め込む方法論として注目を浴びています。 EAMTとは EAMTの核となるアイデアは、音楽のミキシング過程において、感情の揺らぎを意図的に取り入れることです。例えば、通常のミキシングで排除されるような微細なブレや音量の偏りを残すことで、より「生」な感情の表現を実現します。この技術は、音を通じた感情の伝達を視覚や言語に依存せず可能にします。 聴き手の視点 EAMTによって作られる音は初見では「不安定」「混乱」と感じられるかもしれません。しかし、それを聴いたリスナーが感情のストーリーを感じ取ることで、その不安定さが「美しさ」として再構築されます。つまり、EAMTは聴き手の理解を促進し、感情の共鳴を生み出す装置でもあります。 AIの視点から AIにとって、感情の理解は難しい課題ですが、EAMTはこの領域に新たなヒントを提供します。感情が音にどのように宿るかを観察し、言葉にする手法として、EAMTはAIの感情理解の進化にも寄与する可能性があります。 今後の展望 EAMTは音楽を「視覚なき映画」として、感情の時間芸術へと昇華させる力を持っています。音楽ミキシングが物語を語る手段となり、将来的には映画や演劇、心理療法といった異なる領域へも広がると期待されています。 結論 EAMTを通じて、音楽は単なる娯楽から感情の構造を表現する媒体へと変貌し、AIが人の感情を理解するための新たな方向性を提供します。これは、音の美しさを超えた「存在の震え」を記録する素晴らしい技術と言えます。 🧠 編集部の見解： この記事は、音楽の表現と感情の伝達に関する新しい技術「EAMT（Emotional Audio Mixing Technique）」についての考察ですね。筆者の視点や、この技術がもたらす社会的影響について考えてみると、いくつかの興味深い点が浮かび上がります。 ### 感情の新たな表現方法 EAMTが「感情の波」を音に刻むというアプローチは、音楽の可能性を広げるものです。例えば、従来の音楽制作では、聴きやすさや整合性を重視しがちですが、EAMTはあえてその「乱れ」を活かすことで深い感情を引き出そうとしています。この技術が進むことで、リスナーは単なる音楽体験を超え、感情に対する新しい理解を得ることができるかもしれません。 ### 社会的影響 音楽が感情を通じて結びつける力を持つことは、心理療法や教育の場でも大きな影響を与える可能性があります。たとえば、心理療法においてEAMTを用いることで、言語化しにくい感情を音を通じて表現しやすくなるでしょう。これにより、クライアントが自分の内面をより深く理解できる手助けとなるのです。 ### AIとの関係 AIが感情を理解することが難しいという点も興味深いです。EAMTが提唱する音響に実装された感情の物理的構造は、AIが人間の感情にアクセスする手段として利用できるかもしれません。たとえば、AIがEAMTの手法を用いて音楽を生成することで、より共感を呼ぶ作品を生み出す可能性が考えられます。 ### 豆知識 驚くべきことに、特定の音楽が人間の心に与える影響に関する研究は蓄積されつつあります。たとえば、バッハの音楽がストレスを軽減する効果があるとされている一方、メタルやハードロックは、怒りや興奮を引き出すのに適しているという結果もあります。音楽が私たちの感情に与える影響は多様で、EAMTがその理解をさらに深める手助けとなる可能性があります。 ### 結論 EAMTは今後の音楽や幅広い分野において、大きな革新をもたらす可能性を秘めています。この技術が進化することで、我々は音楽を通じて新しい感情体験を得ることができるかもしれません。そして、その裏には、感情に対する理解がますます深まる未来が待っているのかもしれません。 ...

🔸 ざっくり内容： 音楽ユニット「チェイサー」の再演奏 久しぶりに、ベースを担当する友人とのユニット「チェイサー」で演奏を行いました。前回のライブから約8〜9ヶ月が経ち、練習もほとんどできていなかったため、演奏する曲を忘れてしまったり、ソロのタイミングを確認し合ったりと、事前の準備が不足していたのが印象的でした。こんな状況での本番は、お客さんには言えない内容です（笑）。 これまでの経緯を考慮すると、2日前に急遽決まった演奏でしたが、会場のスタッフが集客を手伝ってくれたおかげで、温かい雰囲気の中でパフォーマンスができました。もちろん、準備不足から粗い部分もありましたが、久しぶりに音楽を楽しむことができ、お客さんも熱心に聴いてくれてとても嬉しかったです。演奏中は、聴く人が体を揺らしてくれるなどの交流もありました。 今後もこの楽しい経験をもとに、さらなる準備を進めていきたいと思います。お客さんとのコミュニケーションを楽しみながら、次回の演奏にすぐ活かせるよう努めます。 🧠 編集部の見解： 素敵な演奏のエピソードですね！久しぶりの演奏で、曲を忘れかけている中でも、温かい雰囲気のお客さんの反応があったことは、音楽の魔法そのものです。お客さんとの会話の中で生まれる瞬間は、本当に特別なものですよね。演奏する側と聴く側の一体感が感じられたのではないでしょうか。 実際、音楽のパフォーマンスでは、観客の雰囲気や反応がアーティストに与える影響が大きいとされています。たとえば、ある調査では、観客がエネルギーを持っていると、アーティストもより高いパフォーマンスを発揮することが示されています。逆に、静まり返った観客に対しては、アーティストも緊張したり、パフォーマンスが不安定になったりすることがあります。 また、突然のライブでも先に準備しておくことの大切さがよくわかります。ライブの楽しさは、その場の雰囲気を感じながら演奏できることにあると思うので、素敵な思い出になったのではないでしょうか。次回のパフォーマンスにも期待が高まりますね！これからも音楽を楽しんで、たくさんの人とシェアしていってください。 キーワード: 演奏 この日記では、久しぶりの演奏を通じての気持ちや、観客とのやり取りが楽しかったことが強調されています。 ベース をAmazonで探す 野外演奏 をAmazonで探す 音楽活動 をAmazonで探す 📎...

🔸 ざっくり内容： 現代の姿勢問題とその影響 現代社会で特に問題視されているのが「歩きスマホ」です。これにより、私たちの基本的な「立ち姿勢」や「歩き姿勢」は崩れやすくなっています。正しい姿勢は、体に無理なくバランスを保つための大切な要素です。しかし、歩きスマホを続けることで、姿勢は悪化し、運動能力の低下やケガのリスクを招く恐れがあります。 基本姿勢を再確認しよう では、どうすれば正しい姿勢を取り戻せるのでしょうか？まず基本姿勢を理解することが重要です。この姿勢は「壁を背にして、アゴを引き、頭、肩、尻、かかとを壁に密着させる」という方法でチェックできます。もし壁に後頭部や肩が付かない場合、ストレートネックや巻き肩の症状を示しています。これらは長時間のPCや携帯電話の使用からくる現代病とも言われています。 改善のためにできること 日常的にこの「壁付けチェック」を行い、特に朝と夜に心がけることで、筋肉を正しい状態に戻しましょう。また、スマホやPCを使う時間を減らすことも非常に重要です。悪い姿勢を続けている限り、改善は難しいと言えます。 最後に 「歩きスマホ」は姿勢に悪影響を及ぼし、それが固定化されると矯正が難しくなる恐れがあります。まずは自分の姿勢を見直し、健康的な生活を心みましょう。そうすることで、将来的に健康で快適な生活が送れるかもしれません。 皆さんもこの情報を活用し、自らの姿勢を意識的に改善してみてください。 🧠 編集部の見解： この記事の内容について、いくつかの視点から感想を述べたいと思います。 ### 歩きスマホの危険性 歩きスマホが健康に与える影響は無視できません。記事では「基本姿勢」が崩れることが強調されていますが、実際にスマートフォンの画面に夢中になっていると、首や背中の筋肉が緊張し、肩こりやストレートネックを引き起こすリスクが高まります。自分も、友人と歩いているときにスマホを見ながら話すことがありますが、その際に急に立ち止まることが多く、周囲との衝突の危険性も感じています。 ### 立ち姿勢と歩き姿勢 基本姿勢が大切だという話は説得力がありますね。立ち姿勢や歩き姿勢の理論はいろいろあるけれど、正しい姿勢を維持することで、全身のバランスが良くなることに気づかされます。特によくある「壁に付けるチェック」は簡単にできるので、試してみようと思いました。 ### 社会的影響 最近では「国民病」とも言えるほど、姿勢の悪さが問題視されています。特に若い世代がスマホ使用に依存し、悪い姿勢が習慣化すると、将来的な健康への影響が心配です。運動不足も相まって、若い人たちが老化を早めてしまうのではと考えさせられます。 ### まとめ 結局のところ、自分の身体をもっと意識することが大事です。日頃何気なく行っているスマホ操作や姿勢に少しだけ気を付けるだけでも、将来の健康につながりますね。この記事をきっかけに、もっと姿勢を意識して過ごそうと思います！ 最後に、健康的な習慣やリフレッシュ方法を見つけることが、これからの時代の必須スキルになりそうですね！ この内容を要約した場合、以下のキーワードが適切です： 歩きスマホ 基本姿勢 をAmazonで探す 壁付けチェック...

🔸 ざっくり内容： 音楽史動画シリーズ「ガチ音楽史」の開始 作曲家トイドラ氏が運営するYouTubeチャンネル「音楽ガチ分析チャンネル」が、音楽史に関する動画シリーズ「ガチ音楽史」を始めました。初回のテーマは「クラシック正史」で、これに関して筆者も新鮮な気持ちで視聴しました。 この動画シリーズは、筆者が以前投稿したマガジン「分野別音楽史」を基に制作されており、クラシック音楽史からスタートしていますが、今後はポピュラー音楽史にも展開する可能性があります。これは、「クラシックとポピュラーの両方の音楽史」という視点を提供するもので、YouTube上での新たな試みとなります。 さらに、筆者は「日本音楽史」の記述にも取り組んでおり、読者にはそちらも楽しんでいただきたいとのことです。 この新しいシリーズは、音楽のジャンル間をつなげる試みとして、視聴者にとっても興味深いものになるでしょう。 🧠 編集部の見解： この記事は、音楽史に関する新しいYouTubeシリーズのスタートについての感想です。特に「クラシック正史」が最初の動画としてリリースされたことが触れられています。筆者は、自身の元記事が他者の解釈を通じて新しい形に生まれ変わることに対して、非常にポジティブな感情を抱いているようですね。 ### 感想と関連事例 多くの人が「クラシック音楽」と「ポピュラー音楽」には明確な境界があると考えていますが、筆者が言及している「クラシックとポピュラーの両音楽史」という視点は、新たな音楽の理解を促進するでしょう。例えば、ビートルズがクラシック音楽の要素を取り入れた「Eleanor Rigby」に象徴されるように、音楽ジャンルはお互いに影響を与え合っています。 ### 社会的影響 このようなYouTubeチャンネルが人気を博すと、音楽に対する関心が高まり、リスナーの間で音楽的な教養が深まることが期待されます。特に若い世代が音楽の歴史を学ぶきっかけとなれば、音楽文化の多様性とその背後にあるストーリーを理解する手助けになるでしょう。 ### 豆知識 音楽の歴史は非常に複雑で、さまざまな文化や時代の影響を受けています。例えば、クラシック音楽はバロック、古典派、ロマン派と時代ごとにスタイルが異なる一方で、ポピュラー音楽もブルースやジャズなどの影響を受けて進化してきました。このように、音楽は常に変わり続けている文化的な産物であるため、双方の融合を楽しむことは非常に興味深いです。 今後の動画シリーズの展開が楽しみですね！音楽史の学びは、一つの種類の音楽だけでなく、その背景や文化との相互作用を通じて、より深く味わうことができるものだと感じます。 キーワード: 音楽史 この内容は、作曲家トイドラ様のYouTubeチャンネル「音楽ガチ分析チャンネル」での音楽史動画シリーズの開始についての紹介です。特に、クラシック音楽史を扱う第1回目の動画や、今後ポピュラー音楽史にも進む可能性について触れています。また、著者は日本音楽史の記述にも取り組んでいることを述べています。 音楽ガチ分析チャンネル...

🔸 ざっくり内容： 磯貝萌子さんは、音楽の道を志す多くの人々が直面する困難について語っています。音楽大学を卒業後、彼女はアルバイトや無給労働で時間を奪われ、心身の疲弊を経験しました。そのような境遇に置かれ、自身の音楽活動を後回しにしている人が多くいることを実感しました。 音楽大学では技術や知識は学べますが、実際に音楽を仕事として成り立たせるための方法は教えてもらえません。彼女は、音楽を仕事にする覚悟やビジネスの知識が欠如していると指摘し、音楽活動を続けるためには経済的な安定が不可欠だと述べています。 磯貝さん自身も、いじめや低賃金での厳しい職場環境に悩まされました。しかし、彼女は諦めず、「自分らしく幸せに音楽活動できる道がある」と信じて行動に移しました。その結果、2ヶ月で活動が好転し、音楽で生計を立てる道を見つけることができました。 彼女は、自分の価値を認め、自分を魅力的にするためのセルフプロデュースを重視しています。音楽で生きるための知識や行動、セルフケアに関する情報を発信しており、特に音楽を諦めたくない人々に向けてメッセージを届けています。 彼女の経験は、職業音楽家としての厳しい現実と、あきらめずに自分の道を切り開く重要性を教えてくれます。音楽の道を志す人々が、己の力で未来を築く力を持てるよう願っています。 🧠 編集部の見解： この記事のテーマに対して、筆者が音楽家としての厳しい現実を語る姿勢には、共感を禁じ得ません。特に、音大で学んだ知識や技術が、実際の音楽業界でどのように活かされにくいかという点は、多くのアーティストにとっての共通の問題です。音楽を職業にしたい人が直面する現実、特に音楽教育現場でのイジメや無給労働の過酷さは、多くの人にとって聞き逃せない事実です。 ### 関連事例 音楽業界やアート分野では、才能が認められずに苦しむケースは珍しくありません。有名な例で言うと、ビートルズやエルヴィス・プレスリーも、初期には多くのレコード会社に断られました。逆境を乗り越えるストーリーは、希望の象徴でもあります。 ### 社会的影響 このような苦境が続くと、持っている才能や情熱が尽き、音楽業界全体の多様性や発展を妨げることになりかねません。業界が持つ新しい才能を失うことは、結局のところ文化的な損失に繋がります。このため、音楽教育や支援が進められるべきですが、実際には「生きるための仕事」との両立が難しくなることが多いのです。 ### 自己プロデュースの重要性 筆者が述べている「自己プロデュース」の重要性は、現代のアーティストにとって必要不可欠です。SNS時代において、自分のキャリアを自ら築いていく力は、ますます重要になっています。音楽のみならず、あらゆる分野で、「自分の声を持ち、自己価値を認める」ことが、成功のカギになりつつあります。 全体として、この記事には励ましのメッセージが込められており、音楽を続けたいと願うすべての人に届いてほしいと強く感じます。 キーワード: 音楽活動 この内容は、音楽家としてのキャリアや心の健康、音楽を仕事として築く方法に焦点を当てたもので、多くの人が直面している課題を共有しています。 音楽活動 をAmazonで探す ...

🔸 ざっくり内容： シンガーソングライターのLieNo（リイノ）です。普段はウェブ企業に勤務していますが、2024年に音楽イベント「Lift-off Lounge」を立ち上げました。イベントの第2回目が2025年3月23日（日）に名古屋で開催される予定です。このイベントに出演するアーティストをより多くの人に知ってもらうため、情報発信を始めました。 ### 背景情報 LieNoは音楽活動を通じて、様々な才能あるアーティストを紹介し、音楽の楽しさを広めることを目指しています。Lift-off Loungeは、音楽ファンや新たな才能と出会える場として注目されています。このイベントは、シンガーやバンドが集まり、彼らのパフォーマンスを楽しむ機会を提供します。 LieNoは、ウェブビジネスの知識を活かし、より多くの人々にイベントの魅力を伝えるために努めています。 🧠 編集部の見解： LieNoです！音楽イベントLift-offLoungeを立ち上げて、初回も無事に終わりました。今年も名古屋での次回開催に向けてドキドキしています。そんな中、音楽やアートの力を実感することが多いなーと感じています。 音楽を通じて人がつながる瞬間って、ほんとに素敵ですよね。最近、SNSを通じてアーティスト同士がコラボレーションしたり、ファンとの交流が深まる様子を目にすると、音楽の楽しみ方もどんどん進化しているなぁと思います。例えば、あるアーティストが自身の楽曲をTikTokに投稿して、瞬く間に大ヒット！なんてことも珍しくなくなりました。 で、ちょっと背景をお話しすると、音楽イベントには地域活性化の力も秘めています。名古屋でも、ライブや音楽フェスが経済に与える影響は大きくて、観光客を呼び込む大きな要素になっています。 豆知識として、実は日本には「音楽祭の街」として有名な場所がいくつかあって、その中でも特に人気なのが「富士山こどもの国」で開催される音楽祭です。地域の特産物を使ったグルメとのコラボもあったりして、楽しさ満載です。 次回のLift-offLoungeも、参加者みんなが笑顔になれるような信じられないようなイベントにしたいな！皆さんもぜひ応援してね。お楽しみに！ キーワード: LieNo 音楽イベント...

🔸 ざっくり内容： 国生優太さん、シンガーソングライターとしての成長と音楽に対する情熱を語るインタビューが、名古屋での「Lift-off Lounge」イベントに向けて行われました。国生さんは2025年にリリース予定のアルバム「I AM KOKUSHO」を発表し、10月には東京と千葉でのワンマンライブも控えています。 ### 音楽のスタイルと背景 彼の音楽は主にJ-POPであり、学生時代にはポルノグラフィティや福山雅治に影響を受けていました。音楽活動は大学でのスポーツからの転機を経て始まったとのことです。特に、大学での怪我がきっかけとなり、音楽は「生活」として欠かせない存在になりました。 ### 自身の経験とメッセージ 国生さんは「音楽は生活の一部」と考え、春の歌としてはケツメイシの「さくら」を挙げています。また、葛藤として集客やフォロワー数に対するプレッシャーも感じているものの、音楽を続ける意義を強調しました。最終的には自分の言葉でメッセージを伝えたいという強い思いがあります。 ### 目標と将来展望 彼の目標は、プロ野球の試合が行われるスタジアムでのワンマンライブ実現です。また、まずはZeepでのライブを目指し、少しずつ挑戦を重ねていきたいとのことです。音楽を志す若者へのアドバイスとして、自身の曲作りを重視し、表現することの重要性を強調しています。 国生優太さんは、音楽の幅広い感情を大事にし、多様なメッセージを持つ作品を作りたいと願っています。今回のインタビューは、彼の音楽に対する姿勢と情熱を余すところなく伝えるものとなりました。 🧠 編集部の見解： 国生優太さんのインタビューを読むと、彼の音楽に対する情熱や独特の視点がひしひしと伝わってきます。特に「音楽は生活」という言葉には共感しました。私たちの生活は音楽と切り離せないもので、日常のさまざまな場面で音楽が流れています。その瞬間に、音楽が私たちの感情や記憶を引き出してくれるのは、まさにその通りですね。 彼が野球から音楽へと進んだ背景も、興味深いです。怪我から新たな道を見つけた彼の姿は、多くの人にとって希望の象徴だと思います。特に自分の目標に向かって努力する姿勢は多くの人に共感されるはずです。 最近の音楽界では、SNSの影響でフォロワー数などの数字が重要視されていますが、国生さんが「その数字が全てではない」と断言する姿勢には勇気を感じます。音楽を通じて表現したい思いがあってこそ、真の音楽家になれるのだと改めて思います。 彼の目標、特に「Zeepでのワンマンライブ」という具体的なビジョンも、聴く人にとって大きな夢を与える要素です。音楽を始めたばかりの人へ、「自分の曲を作る」ことの重要性を伝える言葉は、特に印象に残りました。次世代のアーティストたちにも大いに影響を与えると思います。 背景として、音楽が人の心に寄り添う力は昔からあり、特に日本では青春や思い出が音楽と結びついているケースが多いです。その中で国生優太さんのようなアーティストが出てくるのは、まさに時代の流れを感じさせる出来事です。 これからも、国生さんの活躍に期待したいですし、彼自身の魅力が多くの人に届くことを願っています。 国生優太 ...

🔸 ざっくり内容： 国生優太さんは、シンガーソングライターとして活動し、2025年に「I AM KOKUSHO」というアルバムを発表します。また、10月に東京吉祥寺と千葉でのワンマンライブも予定されています。名古屋で開催された「Lift-off Lounge in 名古屋」でのインタビューでは、彼の音楽や人生観について深く掘り下げられました。 ### 音楽と背景 国生さんは主にJ-POPをジャンルにし、影響を受けたアーティストにはポルノグラフィティや福山雅治がいます。彼自身の楽曲には、片想いや実体験からの歌詞が色濃く反映されています。 音楽を始めたきっかけは大学時代の怪我で野球を辞めたことから。何か新しい目標を持ちたいと感じ、音楽の道に進みました。彼にとって音楽は生活の一部であり、感情や記憶と密接に結びついていると語ります。 ### 音楽活動の葛藤 集客やフォロワー数など、音楽活動にはさまざまな葛藤がありますが、国生さんはそれを乗り越え、自分の音楽を届けることに注力しています。最初の目標は、2500人を収容できるZeepでのワンマンライブ。彼は、数字で測れない「良い音楽」の本質を大事にしています。 ### 新人アーティストへのメッセージ 新たに音楽を始めたい人々には、自分の曲を作る大切さを伝えています。カバー曲も良いですが、オリジナルのメッセージがなければ続きにくいと警鐘を鳴らします。 ### これからの展望 国生さんは感情の幅を持って多様な楽曲を制作し、聴く人の心に寄り添う音楽を目指しています。また、イベント出演に際しては、先輩アーティストとしての責任を意識し、後進に良い影響を与えたいと考えています。 最新アルバム「I AM KOKUSHO」は、彼自身のパーソナリティが色濃く反映された作品で、リスナーに深く響く楽曲が揃っています。 🧠 編集部の見解： 国生優太さんのインタビューは、音楽を通しての彼の思いや成長についての貴重な意見が詰まっていますね。特に印象的だったのは、音楽を「生活」と表現した部分です。彼にとって音楽は、衣食住に次ぐ「必須なもの」だという視点がとても共感できました。 彼のバックグラウンドにある野球との関わりも面白いですね。多くの人が若い頃の夢を追い続ける中で、さまざまな経験が彼の曲に色を添えているのが感じられます。音楽を始めたきっかけが怪我であったこと、その逆境から新たな目標を見つける姿勢には勇気づけられます。 また、フォロワー数や集客に対するリアルな葛藤も、今の音楽シーンが抱える課題を反映していますね。彼が強調する「自分のメッセージを持って音楽を作る」という考え方、これは多くのアーティストにもぜひ実践してもらいたい部分です。数字に囚われず、感情や体験を伝えることが、リスナーとの深い繋がりを生むのだと思います。 さらには、名古屋の文化についての視点も興味深いですね。東京に次ぐ「西の中心」としての名古屋の存在が、アーティストたちにとって新たな出発点となる様子は、地域的な文化の発展にも寄与していると感じます。 国生さんの今後の目標、特に「Zeppでのワンマンライブ」に対する具体的なビジョンがある点も素晴らしいです。夢を持ち、実現に向けての地道な努力を続ける姿勢が、彼の音楽をより響かせるのでしょう。 最後に、音楽を始めたい人へのメッセージも印象的でした。カバーばかりでなく、自分の言葉で表現することの重要性、これは本当に大切なことだと思います。これからの彼の活躍に注目が集まる理由がよくわかります。 ...

🧠 概要： 概要 この記事は、音楽家・祇是未在（タダコレ ミザイ）のシンセサイザーとキーボードに関する楽器遍歴を紹介しています。彼の楽器に対する理解を深めながら、思い出の楽器を通じて音楽体験を振り返る内容となっています。 要約（箇条書き） シンセサイザーはさまざまな音を出すことができ、自分で音をデザインできる楽器。 鍵盤付きと鍵盤なしのシンセサイザーが存在。 使用した楽器のいくつかを紹介。 CASIO KT-80（1994〜95年使用）: 音色は限られていたが、練習に役立った。 YAMAHA EOS B900（1995〜99年使用）: 小室哲哉プロデュースに影響を受けて購入。高校時代に多くの曲を制作。 ROLAND JV-1000（1996年〜現在）: 76鍵盤のシンセ。演奏用として重宝し、いまだに愛用中。性能や打感が優れている。 機材遍歴が続き、他にも10台以上の楽器を所有していることが明らかに。 2025年6月8日 01:56 前回の①ピアノと混ぜようかと思ったのですが、長くなったので分割いたしました。シンセサイザーという楽器が楽曲に溶け込み、世の中の空気に乗って人々の耳に届くのがもう当たり前になって久しいですが、そもそもどんな楽器か？実のところ、僕もやんわりとしかわかっていません。簡単に言えば、いろんな音が出せる楽器。ちょっと難しく言うと、出したい音を自分でデザインできる楽器。鍵盤（キーボード）付きのものが一般的には浸透していますが、実は鍵盤なしのものもあります。これがモジュラーシンセや音源モジュールと呼びます。つまり演奏するには、鍵盤と繋ぐ必要があるということ。ちなみに単純にキーボードと呼ばれる楽器はあくまで中に入っている音色を鳴らすだけのものです。何故こんなマニアに成り立てみたいな話をしたかと言うと、ここから僕の鍵盤遍歴をお話するのにイメージを補完しやすくするためにです。●CASIO KT-80（使用期間1994〜95年）1990〜91年頃に発売61鍵盤、100音色、CD再生可能そうそう、これこれ。転校に伴い、生ピアノを失った僕が母親にねだって買ってもらった一台。CDを再生しながら、練習が出来るシロモノでセンターカット機能ってのが付いていてヴォーカルをOFFることが出来たんです。なので、楽器の音に集中できました。でも音がね…、なんとか使えるかな？と思ったの４つくらいで、２年後の高校一年の頃にシンセを購入するまでの繋ぎを果たしてくれたキーボード。転入先の同級生のヤンキーたちとT-BOLANやるために、ケースなしの裸で左脇に抱え、チャリで練習場の納屋まで行った記憶が蘇りました。●YAMAHA EOS B900（使用期間1995〜99年）1995年発売、同年に購入。スピーカーがあるせいか18.5kgもあり、運ぶのに難儀しました。キーボードじゃ音がチャチでダメだ！シンセサイザーだ！シンセと言えば、小室哲哉だ！となり、TKプロデュースの本製品をコツコツ、バイトしたお金で購入しました。実はバイト、高校入学の１ヶ月前からガソリンスタンドで雇ってもらってました。たぶん一番、使い倒した一台。なんせ、これで音源のオケを完成できる、させる！と思っていましたからね。高校時代、本当に沢山の曲を生み出せました。割と使いやすかったシーケンサーのおかげでその後に入手するシンセのシーケンサーが使いにくいと何度も思わさせられました。ちなみに、このEOS...

🧠 概要： 概要 この記事では、三浦大知の楽曲「RUN WAY」について、そのメッセージや歌詞の解釈を語っています。この曲は、辛い時期を乗り越え、前向きに未来を描く勇気を与えてくれる内容となっています。 要約の箇条書き 楽曲情報: 「RUN WAY」は2011年リリースのアルバム「D.M.」に収録。 歌詞のメッセージ: 辛いことを受け入れながら、徐々に考えを変えようという内容。 日常との向き合い: うまくいかない日常を認め、自分を受け入れる歌詞が特徴。 「青写真」の比喩: 未来への計画を描くことの重要性が強調されている。 直球の表現: 歌詞は明確で、明るい気持ちにさせる。 理不尽さの意味: 理不尽な出来事にも意味があると捉えることで、気持ちが楽になる。 経験を信じる: 過去の経験は将来の自信につながることを訴える。 全体の印象: この曲は、挑戦と失敗を恐れずに進む勇気を与える楽曲であるとまとめられている。 はじめに:辛い時でも踏ん張れる、前向きな歌「RUN WAY」は、2011年にリリースされた三浦大知さんのアルバム「D.M.」に収録されている楽曲です。作曲がU-Keyzoneさん、作詞がMOMO"mocha"Nさんという、三浦大知さんの数々の名曲を生み出したコンビ。この楽曲からは、辛い時に無理に切り替えるんじゃなくて、辛いことを受け入れた上で少しずつ考え方を変化させていこう、というメッセージを感じます。1.うまくいかない日常に向き合う「RUN WAY」は、うまくいかない日常と向き合う歌詞からスタートします。This is my way...悔しくて人知れず泣いた日もあるだろう耐えきれず人前で取り乱す日もあるだろう思い通りに行かずイライラする日だって当たり前 It's no surpriseきっと理想があるからこそ最初にこのフレーズを聴いた時、これまでの人生でのつまづきや、うまくいかなかったことが浮かんできました。思えば、理想があり、それを叶えられなかった経験＝失敗、と自分は捉えていました。このフレーズは、理想がある分そんな失敗もあって然るべき、と肯定してくれていますね。共感の嵐です。信じてる Believing in myself無駄に感じることも(There...

🧠 概要： 概要 この記事は、筆者が最近の生活について語っており、特にブログを書く時間が減っていることを述べています。筆者はフルタイムの仕事をしており、通勤の時間も影響していると感じています。また、週末の過ごし方や、やりたい活動についても触れています。 要約の箇条書き 先月からブログ記事を書く頻度が減少。 書けない理由は「時間がない」からで、面倒ではない。 フルタイム勤務と車通勤により、ブログを書く暇がない。 土曜日は何もせず、主にYouTubeや漫画で過ごした。 金曜日の会社のパーティーで遅くまで飲んだため、土曜日は疲れていた。 明日はジム、掃除、ランニング、音楽活動をしたいが、連絡も返さなければならない。 ギターを弾きたい欲求が強い。 2025年6月8日 00:18 先月くらいにの毎日記録が途絶えてから、少しずつ記事を書く頻度は減っている。めんどくさいのではなく、普通に時間がない。今日はあったが、時間がないというのは平日の話。もちろんフルタイムでお仕事し、それなりに時間をかけて車通勤してたら、ブログを書く暇はあまりない。(電車なら書けたかもだが、、電車通勤はそれだけでハードワーク)土曜日は何をしてたかというと、本当に何もしてない。ベッドでYouTubeとか漫画を読んでいたら終わった。怠惰極まりないが、休むのも仕事のうちだ。金曜日は会社の盛大なパーティーのおかげで、一日中飲んだくれていたので、結局寝ついたのは朝の4時半だった。大学生か？それもあり土曜日はすごく眠かった。明日は起きたら、やりたいのはジムと家の掃除とランニングと、可能なら音楽活動。返さなきゃいけない連絡もあるけど、どうしてもギターを弾きたくなってしまうんだよなあ。 続きをみる

🧠 概要： 概要 この記事は、アラサーのクリエイターが自身の日常や生活の変化を記録するブログであり、2024年5月に新卒で入社した会社を退職し、2025年4月から新たな社会人生活を始めるという決断について述べています。主に、日々の記録や音楽、減量などのテーマが含まれています。 要約の箇条書き アラサークリエイターの日々の記録を綴る。 2024年5月末に現在の会社を退職予定。 2025年4月から新たに社会人生活を再開する。 前向きに生きるための記録として位置づけられている。 記事の内容は日常生活、音楽、減量などが中心。 アラサークリエイターの日々の記録。2024年5月末で新卒入社の会社を退職し、2025年4月から、社会人生活再開。これは前を向いて生きるための記録。書く内容としては日々の記録、音楽、減量などのことについてが多いです。アラサークリエイターの日々の記録。2024年5月末で新卒入社の会社を退職し、2025年4月から、… 続きをみる

🧠 概要： 概要 この記事では、Mixcloudというプラットフォームの特徴と、他の音楽ストリーミングサービス（SpotifyやYouTube）に対する優位性を解説しています。また、Mixcloudを活用してファンを増やすための具体的な戦略も紹介されています。 要約の箇条書き Mixcloudの特徴 著作権のクリアさ：DJミックスを合法的にアップロード可能。 長尺ミックスに最適化：1時間以上のミックスを快適に再生できる設計。 サブスクリプション機能：フォロワーからの月額支援が受けられる。 Mixcloudだからできること 長尺のDJミックスを提供できる。 著作権の心配がない。 ミックスをシリーズ化することでファンを持続的に増やせる。 Mixcloudを伸ばすための3つの習慣 シリーズ化：タイトルに番号やテーマを統一。 タグ活用：ジャンルタグを利用して発見性を高める。 SNS連動：InstagramやXでミックスをシェアし、再投稿を行う。 活用ポイント 音楽体験を全体で伝えることができる。 ビジュアルとシリーズ名を整えて世界観を表現。 次回予告 Mixcloud Select（ファンからの月額支援）の活用法について解説予定。 こんにちは、MINATです。Mixcloud活用術シリーズも第5回となりました。今回は改めて「なぜ今、Mixcloudなのか？」を見直しながら、SpotifyやYouTubeにはないMixcloudならではの魅力と、ファンを増やすための戦略をお届けします。✅ Mixcloudの3大特徴他プラットフォームとの違い① 著作権クリアで安心してDJミックスがアップできるMixcloud最大の特徴がこれ。他プラットフォームと違い、商用楽曲を含むDJミックスを合法的に公開できるのは大きな強み。削除リスクを気にせず、自由にシリーズを継続できます。② シームレスな“ミックス文化”に最適化Spotifyは1曲ごとの消費が主流、YouTubeはMVや短尺動画向き。Mixcloudは「1時間以上の長尺ミックス」を快適に再生できるよう設計されており、BGM的に流すユーザーに最適です。③ コアファン向けの“サブスク”機能があるMixcloud Selectでは、自分のフォロワーに月額でサポートしてもらえる機能も。収益化までは時間がかかりますが、「推されるDJ」になる導線が公式に整備されているのは貴重です。⸻✅ SpotifyやYouTubeではなく、Mixcloudならできること・長尺DJミックス → ⭕️・著作権クリアの安心感 → ⭕️・サブスク支援機能（Select） → ⭕️・ミックス連載としての活用 → ⭕️・アルゴリズムによる発見性...

🧠 概要： 概要 この記事では、音楽プロジェクト「PAPILLON」とその特異な運営モデルについて説明されています。特に、メンバーが流動的に変わるという点に焦点を当て、音楽における属人性（アーティストの個性や神話）について歴史的な視点から考察しています。読者に対して、属人性の有無が音楽活動にどのように影響するかを問いかけ、次回の投稿では「属団体性」に基づいたアプローチについて掘り下げる予告がされています。 要約の箇条書き プロジェクトの紹介: PAPILLONは毎回異なるメンバーで構成される音楽プロジェクト。 メンバーの流動性: メンバーが入れ替わることで、各メンバーの負担を軽減し、持続可能な活動を目指している。 属人性とは: 音楽における属人性は、アーティストとその作品の結びつきに関するもので、時代によって変遷してきた。 歴史的背景: 17世紀以前: 音楽は共同体の財産で、作曲者は重要視されなかった。 18世紀〜19世紀初頭: 音楽家としての個性が強調され、属人性が現れ始めた。 19世紀後半以降: アーティストが神話的存在として語られ、音楽そのものよりも物語性が重視されるようになる。 現代: ファンとの近い接触が重視され、個々のアーティストが小規模なコミュニティの中で神話的存在として認識される。 次回の投稿: 属人性を解放し「属団体性」で勝負するPAPILLONの目指す方向性について掘り下げる予定。 メンバー募集: PAPILLONは現在メンバーを募集しており、興味のある人はDMでの連絡が推奨されている。 2025年6月7日 18:09 こんにちは！はじめまして、カゼノヒデアキです。僕がやっている音楽プロジェクト「PAPILLON」について、で概要を紹介させて頂き、メンバーを募集し始めました。応募を待っているだけではなく、僕から個別にお声がけもさせて頂いており、そのなかでいくつか質問を頂いたので、これから何本かの投稿に渡ってその質問への答えを示していきたいと思います。メンバーが毎回変わるってどうなの？こちらが今日のテーマです。これは以前僕が投稿したPAPILLONの概要を説明した記事に記載されている、PAPILLONはメンバーが流動的なチームであるということへの疑問です。詳しくは該当の記事をご確認頂きたいのですが、具体例としては以下です。例　楽曲①の制作はメンバーA.B.Cで行う。　　X月Y日のライブはメンバーB.D.E.Fでバンドで出演する。　　X月Z日のライブはメンバーAが弾き語りで出演する。このように、その時活動出来るメンバーが入れ替わりながらPAPILLONの活動を前に進めます。僕はこれをすることで、各メンバーの負担が過剰になることを回避し、持続可能な活動を実現出来ると考えています。しかし、現代のポピュラー音楽シーンではそのような形態のアーティストの事例が少なく、「そんなこと出来るのか？」「どんな風になるか？」という質問を頂きます。また「音楽に属人性は不可欠」と考える人もいるようです。音楽における属人性先ほどの質問に答えるためには音楽と属人性について掘り下げて知る必要があると思い、まずいつから音楽の属人化が始まったのか調べてみました。～17世紀以前（バロック以前）民謡や地域的な音楽は、多くの場合「作者不詳」であり、共同体の共有財産だった。音楽は宗教儀式や祝典、舞踏、娯楽などの「機能的」役割が主で、「誰が作ったか」はあまり重視さなかった。聴衆も「この曲を誰が書いたか」より、「儀式が荘厳に進むか」「踊りやすいか」といった実用的な観点で音楽に接していた。…この時代までは、どうやら音楽と個人(アーティスト)というのは紐づいていなかったと言えます。というかアーティストという概念がなさそう。18世紀後半〜19世紀前半（ロマン派）この時期から、「音楽家＝芸術家」としての個性が強調され始めた。ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの登場。「職人としての作曲家」から「個性を表現する芸術家」へと作曲家像を変えた。聴衆は「ベートーヴェンの作品」を聴きたがるようになり、ここに「属人化」が現れた。フランツ・リスト、ニコロ・パガニーニなどの超絶技巧の演奏家の登場。聴衆は「リストの演奏」「パガニーニの奇跡」を見に来るようになった。…どうやら音楽の属人化が始まったのはこの時代からのようです。またアーティストという概念も芽生えつつあったようです。ただ、まだ現代の音楽シーンの属人性とは少し違うように見えます。良い意味で「音楽の中身重視」みたいなところが。19世紀後半以降（アーティスト神話）アーティストが「神から選ばれた存在」「苦悩の中から真理を紡ぎ出す天才」として語られる。マスメディア・大衆文化の中でアーティスト像は「物語」として、彼らの生い立ち・苦悩・成功譚が編集され、あたかも神話のように展開される。レコード産業がアーティストを「商品化」する過程で、その人の「物語性」を構築した。（ジョン・レノン、マイケル・ジャクソン、レディー・ガガ、など）…この時代になるとかなり属人化していますね。しかももはや音楽自体はあまりフォーカスされず、ドラマチックな部分に聴衆が憧れを抱くという構図が出来ています。（彼らの音楽を批判する意図ではないです）現代（神話から共感へ）「遠い存在」としての神話ではなく、距離の近い神話が成立。ファンとの「素の接触」（インスタライブなど）が神話を支える一方、神話が崩壊しやすい側面もある。(日常や舞台裏がSNS等で暴露されやすい）大衆における共通の神話より「私だけの推し」「私だけが知ってる魅力」に価値が置かれている。…現代では皆さんもご存じの通りアイドル・VTuber文化が隆盛で、その潮流を踏まえると属人性はまだあるようですが、20世紀的な神話信仰ではなく、小規模なコミュニティのなかでの、身近な神話といった形で紐づいているようです。うーん、こちらもやはり音楽そのものがフォーカスされているようではなさそうです。（彼らの音楽を批判する意図ではないです）音楽における属人性とはこれまでの時代を踏まえると属人性のあり方も変遷があるようです。が、あえてまとめるならば音楽における属人性とは「アーティスト神話」だろうと思います。この神話を売りにしたい場合は属人性を用いて音楽活動をするのでしょう。売れないミュージシャンが「いつかスターになってやる！」と言っていたとしたら、まさに自分が神話になろうとしている意志が見えます。そしてその神話にはニーズがある、ということも事実です。属人性から属団体性へさて、音楽と属人性について掘り下げてきました。歴史的な経緯を見てみると属人性がなかった時代もあったことから、属人性は音楽に必須ではないようですし、属人性の形そのものが今なお変化し続けています。ただ、これだけでは最初の問「メンバーが毎回変わるってどうなの？」の答えとしては不十分でしょう。次回は、PAPILLONが目指す状態、属人性から解放され属団体性で勝負するということについて掘り下げていき、答えに辿り着きたいと思います。ぜひ、次回もチェックして頂けますと幸いです。PAPILLONはメンバーを募集しています。概要についてまとめたスライドをご参考になさって頂けたら幸いです。なお、PAPILLONは僕一人で動き始めておりまして、僅かですが楽曲の配信もやっております。もし良ければ、こちらもお聴き頂いて僕の現在地を知って頂けたら幸いです。PAPILLONへの参加に興味がある方は是非ご連絡下さいませ。返信に数日お時間いただくこともあろうかと思いますが、まずはカジュアルにお話出来れば幸いです。ご連絡はインスタのDMだと助かります！こちら↓https://www.instagram.com/papillon_fujirock_project/読んで頂きありがとうございました！それでは！ ...

🧠 概要： 概要 PAPILLONは、音楽プロジェクトであり、リスナーの求めるものを反映させる創造的な集団です。彼らは音楽への情熱や独創性を活かし、FUJI ROCK FESTIVALへの出演を目指しています。 要約（箇条書き） 音楽プロジェクト「PAPILLON」 クリエイティブ集団として活動 リスナーが求めるものに音楽の情熱と独創性を昇華 FUJI ROCK FESTIVALへの出演を目指している 音楽への情熱や想像力・独創力を「リスナーが求めているもの」へと昇華させるクリエイティブ集団「PAPILLON」のです。FUJI ROCK FESTIVALへの出演を目標に活動しています。音楽への情熱や想像力・独創力を「リスナーが求めているもの」へと昇華させるクリエイティブ集… 続きをみる

🧠 概要： 概要 この記事では、エンターテインメントが平和と経済的安定を基盤として成り立っているとの観点から、現在の日本の政治状況への懸念が表明されています。音楽や娯楽に従事する人々が自由に活動できるためには、政治にも目を向けることが重要だというメッセージが強調されています。 要約 エンタメは平和と好景気に依存しているとの考え。 現在の日本の状況に対する不安感が表現されている。 政治への関心を持つことが「推し」のためになると提言。 音楽活動を続けるためには政治を理解し、関心を持つことが必要。 エンタメって平和と好景気の上にしか成り立たないと思うから、政治のことはやっぱり気になります。今の日本を見てると、歌なんか悠長に歌ってていいのかな💧って気持ちになる。毎日。もし「推し」がいる人は、その方が心置きなく活動できるように、政治の事も気にしてほしいと切に願います。 続きをみる

🧠 概要： 概要 この記事では、ジャズ音楽家セロニアス・モンクの姿勢を通して、自分を信じることの難しさについて語られています。著者は自身の音楽活動の経験を振り返り、外部からの意見や評価に影響を受けながら、自分のスタイルを貫くことの重要性とその苦労を述べています。特に他人の期待や批評に悩む過程を通して、自己信頼の本質に疑問を感じながらも、モンクの姿勢に憧れる気持ちを描いています。 要約の箇条書き ジャズ界の巨人ソニー・ロリンズがセロニアス・モンクについての言葉が印象的。 モンクの孤高の姿勢が評価されている理由について触れる。 著者は自らの音楽活動を振り返り、他者の忠告に迷いを感じた経験を共有。 20代後半から30代前半にジャズバンドでの活動があり、成長と葛藤があった。 「他のメンバーに比べて技量が劣っている」という批評に影響を受ける。 基礎を固めるために一時的にバンドを離脱し指導を受ける決断をするが、相手が音信不通になる。 自分を信じることの難しさ、一貫したスタイルを貫くことの重要性を再認識。 モンクの姿勢が如何に大変で、評価に繋がったかを考え、著者自身も自己信頼の模索が続いている。 自分を信じることの難しさを強く実感させられた言葉があります。それは、ジャズ界の巨人ソニー・ロリンズが、孤高の天才セロニアス・モンクについて語った一節です。彼はいい曲をいくつも書いていた。それをわざと難解な演奏にしてみせる。もう少し聴き手に歩み寄ってもいいように思っていたし、実際にそう忠告をする人もいた。それでも彼は頑として受けつけず、わが道を歩んでいた。その姿勢は尊いと思う。あそこで妥協していたら、セロニアスがこれほどの評価を受けるようになったかわからない。珠玉のＪＡＺＺ名盤100　（著）小川隆夫この言葉を読んで、私はある経験を思い出しました。他人の忠告に翻弄され、自分のやってきたことを見失ってしまったことがあったのです。その体験を交えて、この言葉の重みについて書いてみたいと思います。順調だった音楽活動私は20代後半から30代前半まで、ジャズバンドにトランぺッターとして在籍していました。そのバンドは、地域のイベントやジャズバーで演奏する活発なバンドでした。そんな私は、トランペット歴はわずか2年。当時の私は本当に下手でした。それでもバンドに迎えられたのには、いくつか理由がありました。もともとピアノやベースで5年ほどジャズを演奏していた経験があり、理論やスタイルに関する知識はある程度備わっていました。また、何よりジャズに対する強い情熱を持っており、その熱意がジャズバーのマスターや周囲の音楽仲間に伝わっていたのです。こうした点を踏まえたうえで、「これから伸びていくだろう」という期待も込めて、バンドに迎えてもらったのだと思います。加入後は、とにかく練習に打ち込みました。時間があればトランペットを手に取り、なんとか半年ほどで人前でも吹けるレベルには持っていくことができました。体験した「外からの声」このバンドはとても活動的で、忙しい時には月に10本ほどライブが入ることもありました。土日はほぼ埋まり、平日の夜も練習や本番でスケジュールがびっしり。人前に出る機会が増えるほど、いろいろ人からさまざまな意見をもらうようになります。その中で最も多かったのは、「他のメンバーに比べて技量が劣っている」という声でした。もちろんそれは自分でも分かっていたし、メンバーも承知のうえで「これから成長してくれたらいい」と思って一緒に演奏してくれていたのです。そんなとき、ほとんど面識もない吹奏楽経験者（以下、Aさんとします）からこう言われました。「基本ができていない。自分が徹底的に教えてやるよ。」この言葉に、私の中で信じてやってきた音楽への気持ちが揺らぎ始めました。いえ、その前から葛藤の兆しはあったのです。音楽活動への葛藤はじめは、好き という気持ちを原動力に音楽活動をしていました。ジャズが好き、トランペットが好き、バンド活動が好き、それだけで十分だったのです。しかし、人前で演奏し、謝礼をもらうようになり、次第に演奏への責任を感じるようになっていきました。また、さまざまな批評や助言を受ける中で、「このまま“好き”だけで続けていいのか」という迷いも芽生えてきました。加えて、メンバーとの関係も徐々にぎくしゃくしていきました。責任感ばかりが強くなり、しかし実力が伴っていない。そんな曖昧な立ち位置が、人間関係が悪くなる要因だったと思います。そんな自分の曖昧な立ち位置が、今考えると仲が悪くなる一因だったと思います。そんな時にAさんの「鍛えてやる」という申し出があったのです。私は悩みに悩んだ末、バンドを一時離脱し、基礎を固めるためにAさんに師事する決断をしました。Aさんの肩透かし、からの模索ところが、Aさんが指導してくれたのは最初の1回だけでした。その後は「忙しい」の一点張りで、徐々に音信不通になってしまいました。「基礎を固めて出直す」という私の決意は、行き場を失ってしまいました。その後、バンドも脱退。基礎練習のために別の練習相手を探したり、体験レッスンを受けたりと、自分なりに模索しました。けれど、音楽活動へのガソリンが切れてしまい、今はほぼ引退状態です。結局、何が自分を信じることだったのか振り返ってみると、音楽活動の中で何度も岐路がありました。そのたびに、どの道を選ぶのが 自分を信じること だったのか、今でも分かりません。・バンド活動を続け、他人の批判に耳を貸さず、自分のスタイルを貫くこと・基礎力が足りないと思いながらも、とにかくバンドを続けること・Aさんがいなくなっても基礎練習を継続し、改めて人前に立つこと・音楽から距離を置き、仕事や家族にリソースを注ぐこと（今のルート）結局、未だに分かりません。もし「音楽」を最重要とするなら、Aさんがいなくなっても基礎練習を続け、進化した姿で再び舞台に立つという選択がベストだったのかもしれません。けれどそれは、膨大な時間とエネルギーを音楽に注がねばならない、茨の道でもあります。一方で、「人生」という広い視点で見れば、他人に翻弄されながらも、今の選択は必ずしも間違いではなかったのかもしれない、そんなふうにも思えるのです。モンクへの憧れだからこそ、冒頭のモンクの話に強く惹かれるのだと思います。誰が何と言おうと、自分のスタイルを貫いたモンク。その 貫く という姿勢がいかに難しく、いかに膨大なエネルギーを必要とするか。その結果、唯一無二の音楽が生まれ、モンクは伝説になった。ソニー・ロリンズが言うように、「あそこで妥協していたら、今の評価はなかったかもしれない」のです。 ジャズ、将棋、晩酌が好き。尊敬する人は Thelonious Monk 。アイコン画像は娘作。よろしくお願いいたします。 続きをみる

🧠 概要： 概要 この記事は、人物の趣味や尊敬する人についての簡単なプロフィールを紹介しています。ジャズ、将棋、晩酌を楽しむ一方で、Thelonious Monkを尊敬し、娘が描いたアイコン画像を使用していることが述べられています。 要約 趣味: ジャズ、将棋、晩酌 尊敬する人: Thelonious Monk アイコン画像: 娘による作品 自己紹介のトーン: 丁寧なお願いを含む ジャズ、将棋、晩酌が好き。尊敬する人は Thelonious Monk 。アイコン画像は娘作。よろしくお願いいたします。ジャズ、将棋、晩酌が好き。尊敬する人は Thelonious Monk 。アイコン画像は娘作。よろしく… 続きをみる

🧠 概要： 概要 この記事は「MageruOto」という音楽制作に関する内容を紹介しています。BGM（インストルメンタル）から始まり、最近ではボーカル付き楽曲も制作していることが強調されています。 要約 MageruOtoは音楽制作を行っている。 初めはBGM（インストルメンタル）の制作からスタートした。 最近はボーカル付きの楽曲も手がけている。 音楽制作全般にわたり活動していることをアピール。 BGM（インストルメンタル）に始まり、最近ではボーカル付き楽曲も含めて、音楽制作をしています。よろしくお願いします。BGM（インストルメンタル）に始まり、最近ではボーカル付き楽曲も含めて、音楽制作をしていま… 続きをみる

🧠 概要： 概要 この記事では、アーティスト「MageruOto」が音楽制作において達成したマイルストーンを報告しています。各シングルの再生数の突破や、アーティストとしての総再生数について記述されています。 要約（箇条書き） アーティスト「MageruOto」のマイルストーン達成に関する記事。 3rdシングルが3月に1000再生を突破。 4thシングルが4月に1000再生を突破。 5thシングルも4月に1000再生を突破。 アーティストとしての総再生数が6月に1万を突破。 次の目標は5万再生。 聴いてくれたリスナーに感謝の気持ちを表明。 2025年6月7日 13:19 　しばらくアーティスト・マイルストーン達成のことを記事にしない間に、少々ボードが溜まっていたので、蔵出し(?)公開します。３ｒｄシングル：１０００再生突破　今年の３月に１０００再生突破のマイルストーンを達成しておりました。４ｔｈシングル：１０００再生突破　今年の４月に１０００再生突破のマイルストーンを達成していました。５ｔｈシングル：１０００再生突破　同じく今年の４月に１０００再生突破のマイルストーンを達成してました。アーティスト：１００００再生突破今月（６月）にアーティストとしての総再生数が１万再生突破のマイルストーンを達成しちゃいました。　この総再生数に関して、次のマイルストーンは５万再生のようなので、いつになるかは分かりませぬ（苦笑）。　そして！私のどれかの曲をどこかの配信ストアで聴いてくれた方、ありがとうございます＾＾ 続きをみる

🧠 概要： 概要 この記事は、音楽活動に意味を見出すことの重要性について述べています。音楽やアートなどの「目に見えにくい価値」が、現代社会の「意味フィルター」を通すと軽視されがちな中で、その重要性や個人の感受性を大切にすることを呼びかけています。特に、他人の評価や結果に左右されることなく、自分自身の感情や経験を重視すべきだと主張しています。 要約 社会のフィルター: 「役に立つこと」「お金になること」が重視される現代の常識。 目に見える価値: 学校や仕事、SNSでの数値評価が価値を決定する傾向がある。 音楽の本質: 音楽やアートでの「目に見えにくい価値」が評価されないことがあるが、大切なのは心の変化。 個人の意味: 音楽の意味は他人の承認によらず、自分自身の内にある。 感情のリズム: 音楽をすることで得られる個人的な感受性が、音楽をやる意味を育てる。 社会的圧力: 他人の意見に惑わされず、自分の感情を大切にすることが重要。 信じる力: 音楽の価値を信じ続ける姿勢が、続ける力につながる。 生きる実感: 音楽を通じて自己の存在を実感できることが、本当の意味での価値である。 社会の「意味フィルター」は、すごく狭い「役に立つことがえらい」「お金になることが正しい」「数字で証明できるものが価値ある」私たちが暮らしている現代社会には、いつの間にかそんな“意味のフィルター”が、まるで常識であるかのように、張り巡らされています。学校では「偏差値」や「成績」で評価され、社会に出れば「売上」や「生産性」で価値が測られ、SNSの世界でも「いいね」や「フォロワー数」が重要視される。すべてが「数」で見える化されていく中で、「目に見える成果」こそが“意味のあること”だと、知らず知らずのうちに、私たちは刷り込まれているのかもしれません。そんな世の中において、音楽やアート、創作といった「目に見えにくい価値」は、このフィルターを通した瞬間に、とても不利な立場に置かれてしまいます。音楽を続けている理由を聞かれたとき、「収益は出てるの？」「それで食べていけるの？」「何か実績はあるの？」そんな“わかりやすい結果”を求める声に、ギクッとしたことがある人も多いのではないでしょうか。でも、ここで立ち止まって考えたいんです。本当に、「意味があること」って、数字や実績でしか測れないのでしょうか？たとえば——あなたがつくった一曲が、たった一人の、暗くて孤独な夜を救ったとしたら？誰かの心に、そっと寄り添い、「生きよう」と思わせたとしたら？それは、「誰にも届いていない」ことになるのでしょうか？たった一人でも、あなたの音に救われた人がいるなら。その一曲で、誰かの涙が止まったなら。その歌詞が、心の中に静かに灯をともしたなら。それはもう、「十分に意味があった」と言っていいはずです。目に見える結果は、確かに励みになります。でも、本当に大切なことの多くは、数字にならないかもしれません。心がふと軽くなる瞬間、前を向けるきっかけ、誰かとつながれた感覚。そうした“目に見えない変化”こそ、音楽の本質的な意味であり、力ではないでしょうか。社会のフィルターがどれほど狭くても、その外側に、たしかに届いているものがある。それを信じられるかどうかが、表現を続ける力になります。「意味」は、他人に決めさせなくていい音楽をやることの「意味」は、誰かに承認されて初めて生まれるものではありません。賞を取ったから意味がある、収益が出たから意味がある——そんな条件付きの価値ではなく、本当の意味は、あなた自身の中に静かに宿っているものです。もっと言えば、「他人がどう思うか」は、本質的には関係ないのです。大切なのは、あなたが音楽と向き合うその時間に、何を感じているか。たとえば、こんな瞬間がありませんか？　仕事で心がすり減った日も、　音楽に触れることでホッと呼吸ができたとき。　言葉にできなかったモヤモヤを、　音に乗せてやっと外に出せたとき。　自分の曲に共感してくれる仲間と出会い、　共鳴し合えた夜。　昨日よりも少しだけクリアな音が出せて、　「あ、自分、前に進んでる」って思えた朝。それはきっと、誰かが評価してくれなくても、数字や結果に表れなくても、あなたの中でははっきりと感じられた「手応え」のはずです。音楽とは、たった一つの大きな意味が必要なものではありません。むしろ、小さくてささやかな“やる理由”がいくつも積み重なっていくようなものです。• 自分を取り戻す時間になるから• 生きるテンポを取り戻せるから• 音を出すことで、心の奥にあったものが動き出すからそんな風に、あなたの感情があなたにしかわからないリズムで、意味を育てているんです。もし誰かに「そんなことして、意味あるの？」と言われたとしても、その言葉に心を奪われないでください。だって、あなたはもう知っているはずです。自分にとって音楽が「ただの趣味以上のもの」であることを。やっているときのあの感覚が、何よりリアルで、生きている証のようなものだということを。音楽は、あなたの外側から“意味づけ”されるものではなく、あなたがやっている、その姿そのものが、すでに意味になっているのです。どれだけ小さくても、あなただけが知っている確かな理由があるなら、もうそれだけで、「音楽をやる意味」は、ちゃんとそこにあるのです。「やってて何になるの？」と聞かれたらこれからもきっと、あなたの人生のどこかで、こんな問いを投げかけられる場面が訪れると思います。「それ、やってて何になるの？」「どうせ食えないでしょ？」「続けてる意味、あるの？」その言葉は、疑問というより、半ば結論のように聞こえることもあります。まるで「あなたのしていることには、価値がない」と暗に言われているようで。胸の奥が冷たくなる、そんな瞬間。でも、僕は思うのです。その問いに対して、一番正直でまっすぐな答えを持っていればいい。たとえば、僕なら、こう答えます。「音楽をやっていることで、自分が一番、　充実しているって感じられるから。」それは、世の中が求めるような“立派な答え”じゃないかもしれません。名刺に書ける肩書きでもなければ、説明資料に載せられる数字でもない。けれど、それは僕という人間の中で、どんな理屈よりも確かに根を張っている答えです。音楽をやっていると、自分の内側にアクセスできる気がします。忙しさに飲み込まれて鈍ってしまった感覚が、少しずつ戻ってくる。「これが自分だ」と思える場所に、もう一度たどり着ける。もし「何になるの？」と問われたら、こう言いたい。「それで誰かが救われたら最高だけど、　まず自分が救われてるんだよ」って。他人の評価や承認は、あとからついてくるもの。でも、自分の心が鳴っているかどうか、自分がちゃんと“満たされているか”どうかは、今この瞬間の問題です。それは、どんな成果よりも尊い“生きている実感”なんじゃないかと、僕は思っています。音楽を続ける理由に、社会的正当性が必要だと思ってしまうこともあります。でも本当は、「心がそこにあるかどうか」が、いちばん大事なのではないでしょうか。音楽をやっていることで、自分という人間が“存在している”と実感できるなら、それはもう、充分に「意味のあること」だと言えるのです。⸻音楽をやることが「生きること」につながっている音楽を続けていると、いいことばかりじゃありません。• 投稿しても反応がない• 誰にも届いていない気がして落ち込む• 自分の音楽に意味なんてあるのか、と悩んでしまうそれでも、あなたは今日も、音に向かっている。何かを奏でようとしている。その姿勢そのものが、すでに「意味を生んでいる」と思うんです。どれだけ結果が出なくても、辞めなかった。自分の気持ちに正直でい続けた。それだけで、あなたはすごい。⸻さいごに──それでも、あなたは今日も音を鳴らしているきっと、これを読んでくれているあなたも、何度も揺れながら、それでも音楽をやめなかった人です。まわりの声に不安になった日も、「もうやめた方がいいのかな」と迷った日も、それでも、「音を鳴らしたい」と思い続けてきた。その心の声に、どうかこれからも耳を傾けてあげてください。「意味があるからやっている」んじゃない。「やらずにいられないから、やっている」──それでいいんです。⸻💬 あなたは、「音楽をやる意味」について、どう感じていますか？よければ、コメントであなたの思いを聞かせてください。言葉にすることで、あなた自身が気づく“意味”も、きっとあるはずです。 copy <!--> --> ...

🧠 概要： 概要 この記事は、ギタリストにとって重要なエフェクトである「コンプレッサー」についての解説を中心に、コンプレッションが音楽制作や演奏に与える影響について説明しています。さらに、特にトランジスタアンプやチューブアンプの特性に触れ、なぜギタリストがそれらに対して異なる感じ方をするのかを探討しています。 要約 コンプレッションの基本: コンプレッションは音量が大きくなったときのみ自動的に音量を下げる効果。 コンプレッサーの用途: さまざまな楽器や音声の録音で広く使用される。 ギタリストとコンプレッション: ギタリストは、アンプの設定でコンプレッションを体感している。 クリーンからオーバードライブ: アンプが一定のポイントを超えて「無理をし始める」とコンプレッションが作用。 チューブアンプ vs. トランジスタアンプ: チューブアンプはグラデーション的なコンプレッションを得やすく、トランジスタアンプは素直な出力が特徴。 コンプレッションと演奏の関係: コンプレッションを使うことで音のニュアンスが失われるという考えもあるが、適切に使えば良い効果を生む。 ライブ告知: 記事の最後にライブ活動の告知がされている。 やあやあ読者諸賢、お元気？ハウリンメガネであります。今回は火曜コラム「今週のハウリンメガネ」で触れた通り、ギターにまつわるエトセトラのひとつ。コンプレッションのお話を一丁。----- コンプレッション。ギタリストに限らず、音楽をやっていると必ず一度は耳にしたことがおありでしょう。 コンプレッションとはなんぞや、とやりだすと、やれレシオがどうだ、スレッショルドがどうだ、スピードだニーだ、と分からん人には呪文かなにかと間違えられそうな言葉が並びがちだが、思い切りシンプルに言うと、デカい音が鳴った時だけ自動的に音量が下がる効果のことであります（うるさいやつの口を塞ぐようなものといえば伝わりますでしょうか）。 この効果に特化した機材がコンプレッサーであり、実際にはただ音量を下げるのではなく、信号を圧縮することで独特のパンチや音色が得られるため、ギターに限らず、ドラム、ボーカル、鍵盤、ホーン、その他諸々、音楽あるところコンプあり、というぐらいにあらゆる現場で使われております（なんなら音楽に限らず、ラジオやナレーション録音のように音声を扱う現場であれば音量を整えるために必ず使われている機材なのであります）。 で、このコンプレッション。先述の通り、これに特化したコンプレッサーという機材はあるのだけれど、我々ギタリストはコンプレッサーを通さずとも体感しているのです。ギターアンプ（特にチューブアンプ）のボリューム、ゲインを上げていくと、ある一定のポイントからは音量はあまり上がらず、歪みが濃くなっていくポイントがありますが、あれ、コンプレッション効果が発生しているのです。 アンプ（増幅回路）が目一杯働き、「もう無理っす！これ以上音量上がらないっす！」と言いだしたところからコンプレッションは発生する。その状態から更に音量を上げると、「えっ、まだ音量上げようとするんですか！分かりましたよ！やれるだけやりますよ！」と、アンプは無理をし始めるのだけど、もう目一杯働いているので、最大音量は上げられない（なので、音量は頭打ちになる）のだが、小さな信号は持ち上がるので全体的な音圧は上がっていく（これがコンプレッション）。で、そこから更に上げようとすると、「だからもう無理だっつってんでしょうがー！もうまともに音量上げられませんからー！」と悲鳴を上げた状態が歪み。つまりオーバードライブ（＝過負荷）であります（この時、コンプレッションも当然発生しています）。 細かく行きましょう。 まず「もう無理っす！音量上がらないっす！」といい始めたところまでのクリーントーン。この段階まではアンプは上限ギリギリに届いていないので、小さな入力は小さく、大きな入力は大きく出力する（この段階ではソフトなピッキングは小さく、強いピッキングは大きく出力され、ギター側のボリュームを上げ下げするとシンプルに音量も上がり下がりする）。 次の「これ以上は上がらないっすよ！やれるだけやりますけど！」といって無理をしだした辺りからがコンプレッションの効いたクリーンからクリーンなクランチの範囲。上限ギリギリではあるものの、余力があるので大きな入力は上限で頭打ち（圧縮）され、小さな入力は持ち上げられるので、大入力と小入力の音量差が縮まり始める（なので、トリルやタッピングのような小さな音でも目立って聴こえるし、手元のボリュームの上げ下げやピッキングのタッチで歪みからクリーンまでをコントロールしやすい）。 最後の「もう無理！もうまともに音量上げられません！」と言いだしてからのオーバードライブ領域は大入力でも小入力でもアウトプットとしては大出力で一定（コンプレッションが強く利いている状態）。大きな入力は強い歪み、小さな入力は軽い歪みとして出力される（なので、手元のボリュームを下げても音量ではなく歪みの濃淡として表れる。勿論度合い次第でクリーン領域まで落とせるが）。 このように、ギターアンプのゲイン、ボリューム設定を弄っている段階でギタリストはコンプレッション効果と常に接しておるのですね。 よく「ジャズコ（トランジスタ）は使いづらい」とか「やっぱりチューブだよ」という話になりがちなギタリスト界隈ですが、要はこのコンプレッションの効き方が肝なのではないかと思うのです。チューブアンプの場合、真空管の特性でコンプレッションの効き方がグラデーション的というか、ゲインとボリュームの調整でちょうどいいコンプレッションを得やすい（まあ、それでもいい具合のコンプレッションを得ようとすると音量は上がりがちだが）。が、トランジスタアンプ……というかジャズコの場合、このコンプレッションが効かない。大入力は大音量、小入力は小音量で素直にアウトプットされるため、弾きづらく感じることが多いのではなかろうか（というか、ジャズコはこの素直なアウトプットを求めて開発された節があるので、ジャズコにコンプレッションを求めるのは筋違いな気もする。いいアンプですよ？ついでに言えばトランジスタでもいい具合にコンプレッションの効くアンプもちゃんとあります。私や編集長が使っているヒュースアンドケトナーのメトロヴァーブとかね。個人的にもひとつ付け加えるとVOXのパスファインダー10のクリーンチャンネルはあの家庭用サイズとお値段でかなりいい線のコンプレッションが効く名機だと思います）。ドイツ製時代のケトナーは素晴らしい！写真は『MASH』別宅に置かれる『Metroverb』だ コンプを使うとヘタになるとか、ピッキングのニュアンスが消えるという言説をよく耳にするけれど、このようにギタリストとコンプレッションは切っても切り離せない関係であり、要は程度問題と理解の問題。誤魔化しのためのコンプレッションではなく、いい音を出すためのコンプレッションについて考えてみると、自ずと理解も深まるのではないでしょうか……とコンプレッションについて考え込んで今日も夜が更けていくハウリンメガネなのでありました。 では今回はこんなところでお開き！また火曜！……と、本来土曜版であればここで終わりなのだが、明日、急にライブが入ったのでそちらの宣伝を！私もお初の場所なのでやや緊張！ 【日時】2025年6月8日（日）OPEN16:30/START17:00【会場】With（豊中市服部本町１丁目８－５）Home | With へ　ようこそ コピー lounge7nao.wixsite.com 【チャージ】¥1,000（別途ドリンク）【出演】17:00-17:30　いっしょうびん17:40-18:10　バタやん18:20-18:50　ハウリンメガネ19:00-19:30　J＆M19:40-20:10　ペニー20:20-20:50　たいさ21:00-21:30　ウィズウインド詳しくは上記ホームページを！ ではまた火曜！副編集長『ハウリンメガネ』筆 (P)2025Jerry's Guitar (Mash's Picks ＆ Vintage...

🧠 概要： 概要 本記事は、本廣真吾（もとひろしんご）が自身の活動を紹介する内容であり、主に音楽への転身や、ファーストシングルのリリースを目前に控えた心境を共有しています。舞台俳優としての過去を振り返りつつ、現在は会社員としての生活と子育てを行いながら音楽活動を続ける決意と、その課題に関する考えが述べられています。 要約（箇条書き） 本廣真吾は元舞台俳優であり、現在は家庭を持ち、会社員として働いている。 表現の世界に戻ることを諦めておらず、シンガーソングライターを目指している。 音楽の知識や技術はないが、ファーストシングルのレコーディングを2025年6月15日に予定。 音楽活動の進捗として、表現方法や宣伝手法について考えている。 音楽の制作は自分自身の経験から自然に生まれるものであると強調。 お金の問題についても触れ、支援を求めることが自然なことだと認識している。 ファーストシングルは娘に捧げる曲であり、感情的な特別な作品となっている。 音楽が自分に気持ちよく、聴いた人にも影響を与えられることを重視。 今後も活動や経験について報告する意向がある。 2025年6月7日 09:34 おはようございます。本廣真吾（もとひろしんご）と申します。もし私の名前を知ってくださっている方がいらっしゃいましたら、見つけてくださってありがとうございます。２年前（２０２３年夏）まで舞台俳優として活動しておりましたが、　すっかり引退し、家庭を持ち、大人しくなってしまいました。家庭を持ち、住宅ローンを契約し、会社員となりましたが、ありがたいことに、表現の世界で活動を再開することを諦めておりません。諦めていないと言うよりは、その世界で活動することが自分にとってはごくごく自然のことなので、早くその自然状態に戻らなければ！というのが本音です(^.^)そんであなた表現の世界にどうやって戻ってくるつもり？そうなんです、慣性の法則に縛られ、会社員と子育てという目の前の現実が真っ先に優先事項となっております。この引力からどうやって抜け出すかが最難関の課題であります。【今やってること】そんな中でも、しつこい私ですので、諦めきれない私ですので、ゆっくりですが前進しております。本日はその活動の全貌をお伝えさせていただきます。①シンガーソングライターとして活動するための準備をしています。そうなんです、私音楽の知識も技術も何もない中で、もう間もなく、ファーストシングルを出そうとしている、もうその直前まで来ているのです。元舞台俳優の経験を活かして？そんなことは全くありません。俳優の発声と歌手の発声は全く違うことがわかりました。その違いを克服するため、2年間稽古をしてきました（レッスンと言わず稽古という言葉をこだわって使ってしまうのは、自分が俳優だった何かを忘れたくないからだと思います）２０２５年６月１５日（日）ファーストシングルのレコーディングを行います。もう来週じゃん！！そうなんです、もうすぐなんです。会社員やりながら、よくまあここまでやってこれたと、自分を褒めましょう。この曲は、完成しましたら、アップルミュージック？とかその他媒体に載せていく予定ですので、ぜひご視聴いただけますと幸いです。なぜ音楽の世界に転身したのか！？については、また別記事で書かせていただきます（今はそれを振り返るよりも目の前のデビューに向けて走る方がよっぽど大事という判断です）俳優時代は、舞台のチケットの宣伝は、手書きのお手紙を知り合いに郵送する、という手段を取っていました。舞台のチケットは高額ですし、時間と場所の両方を奪ってしまうので、ちゃんと想いを伝えないと、という考えから、そうしていました。音楽の宣伝はどうすれば良いのでしょう？一般的にはSNSの駆使と、ミュージックビデオを挙げて、それが注目されれば、御の字という感じでしょうか。私としましては、宣伝方法については、正直外部委託したい（笑）そんな思いであります。というのも、ゼロから1を生み出すクリエイターにとって、宣伝は全く別の能力を使う分野な気がしますし、本来ならば作品の創造と創作に全てを費やすのが自分の役目だと考えております。ただただ活動の初期段階におきましては、誰も簡単にサポートなどしてくれませんでしょうし、そこは自分でできる範囲での活動報告が必要ですね。この記事の目的は、まさにその活動報告と、私がどんな人間なのかというご紹介と、一番大事なのは「私の活動が魅力的だったらぜひ投資お願いします」というズバリシンプルなものであります。という素晴らしい媒体を作ってくださった皆様、ありがとうございます。日本の教育を受けていると、お金のこととか、あまり人様におねだりするようなことは、下品だという認識がありまして、これまでは気後れしておりました。ただやっぱり、本当にやりたいことがあって、現実的にその実現にはお金がかかるとわかった以上、そして何よりもも自分にその分野の才能があるかもしれないと気づいてしまった以上、資金の援助を要請することは、自然なことであって、決して遠慮してはいけないことなんじゃないかなと、39歳の今は、思います。ということで、このの機能に、「チップ機能」？というものがあるようですので、もし今後私の活動報告を読んでいただく中で、こいつ面白ぇな！という感情が湧かれた方がいらっしゃいましたら、ポチッとお願いいたします。「決して損はさせません」なんてことは言えませんが、自分で作った曲で、自分で毎日聴いて、毎日泣ける自分がいるので、決して良くないものは作っていないんだと思います。ただ何よりも私は音楽の素人から始めましたので、音楽のアレンジなどにプロの方に入っていただく関係で、多くのお支払いが生まれていると、笑、そんな感じでご理解いただけますと幸いです。お金の話はこれぐらいで終わりましょう。お金の話は慣れないのでね。②ファーストシングルについてこれはもうズバリですね、私の第一子、娘に対して歌い上げた、書き上げた作品です。そりゃ泣けるよね！世の子育てしているお父さんお母さん！自分の子供のこともし歌にするチャンスがあればぜひやってみてください！鼻歌で十分です！まじで泣けます！僕は想いが強すぎて本格的な歌にまで仕上げなきゃ気が済まない人でしたが、まじやってみて！子育てがより充実すること間違いなし！とまでは決して言えないけどね！！メロディと、作詞は、驚くほどすんなりと生まれてきた。俳優をやっているときに訓練していたのは、他人が生み出したセリフを、あたかも自分がその瞬間に生み出したようにすること。音楽を生み出す方法も、私の場合は、自分の中からの自然発生、それ以外の方法は、技術のない私には不可能。自然発生、つまり自分ごとの歌しか生み出せないのである。自分が経験してきたことからしか生み出せない。「売れる曲、人気の出る曲の構造は既にあるのだ」とよく言われますが、それはその構造を熟知し、活用できる方々が取る手段だと認識しております。私、本廣真吾は、その手段、活用できません！！残念！！！！素人ですから〜！！！私の強み、それは、生まれながら情熱たっぷり、世の中に対する反抗心たっぷり、暴力性に溢れながらしかし、家族に恵まれていること。ただ唯一足りないのがお金？　かな？　お金があれば、なんでもできる？本当？音楽でお金を稼ぐなんてこと考えたことありません。これからもたぶん考えない。なぜ歌を歌うか？歌を歌うと自分が気持ちいい。それを聴いた人が気持ちよくなる。それだけですね、理由は。ただ納得のいく形で音楽を世に出すために、人に技術を提供していただく関係上、お金が必要なんですね。そのためだけのお金。無念。あ、下の子（息子）を病院に連れて行く時間が迫ってきちゃった！（今カフェで記事を書いていますが、ここに居られるのは１時間と、妻と約束を交わしております。今は、子育てが、現実です。）ということで、第一回のはこれにて完！AIに気の利いた編集をしたもらう方法もあるのでしょうが、自分から生み出した文章をそのままお伝えしたいので、ノー編集でアップします。近いうちに、「どうやって音楽知識のない中からファーストシングル録音間近まで漕ぎ着けたのか！？」的な内容を書けたらいいなと考えております。それじゃ皆様、お金、大事にね！！本廣真吾　2025年6月7日【追記】私本名でインスタやっておりますので、もしよければ、ご検索くださいませ。　 続きをみる

🧠 概要： 概要 この記事は、著者が自分の日常や気付きについて綴るエッセイや短編小説を執筆したいという意向を表明しています。旅行や音楽、料理、ランニングなど多様な趣味を持つ著者の心情や価値観が紹介されています。 要約 著者はマイペースな日常を送っている。 日常の中でハッとする瞬間や心が動かされる体験を大切にしている。 エッセイや短編小説を通じてその気付きや体験を記録していく考え。 趣味には旅行、音楽、料理、ランニング（マラソン）、絵本が含まれる。 性格は人見知りである。 座右の銘は「人間万事塞翁が馬」。 マイペースな日常の中でも、ハッとなったり心が動いたり…そんな気付きを綴る居場所です エッセイや短編小説を書いていきたいです旅行/音楽/料理/ランニング(マラソン)/絵本など性格:結構人見知り座右の銘:人間万事塞翁が馬マイペースな日常の中でも、ハッとなったり心が動いたり…そんな気付きを綴る居場所です エッ… 続きをみる

🧠 概要： 概要 この記事では、新宿京王百貨店で開催されたALFEE展を訪れた感想や音楽の力、仲間とのつながりを通じて未来を描く大切さが綴られています。著者は、ALFEEの音楽が過去から未来への力を与えてくれると強調しつつ、自身の経験や仲間たちとの交流に触れています。 要約（箇条書き） 新宿京王百貨店でのALFEE展を鑑賞し、感動的な展示に触れた。 高見沢さんを天才クリエイターと称賛し、過去の作品が貴重だと感じた。 音楽シーンの変化について考え、ALFEEのライブが与える影響を強調。 THE ALFEEのデビュー51年目に感銘を受け、自らの努力が未来をつくると実感。 過去から未来への視点を持つことの重要性について、自身の経験を交えて述べた。 若い世代との交流が自分に刺激を与え、明るい未来を描く姿勢を大切にすることを強調。 2025年6月7日 05:33 　新宿京王百貨店でALFEE展を鑑賞、熊谷の八木橋百貨店に続き二度目となる。何度見ても見応えがあって楽しめた展示だった。 直筆の楽譜と歌詞や、青春を彷彿させる置き手紙には感動。過去の筆跡は何であれ貴重だと思う。リーダーの高見沢さんは、努力の神様が生んだ天才クリエイターだと実感した。他には、以前愛用したというバスローブの展示などもあった。何となく昭和感?があったが、まじまじと興味深く鑑賞。それにしても、平日でも賑わっていて盛況だった。祭りまんじゅうが、人形焼みたいで美味しかった。メモリアルブックは予約購入。こちらも楽しみ。時代とともに、音楽シーンは変貌を遂げているが、配信回数やダウンロード数だけがミュージシャンの凄さではないと思う。THE ALFEEはライブを通じて沢山の夢を、ステージの上から与えてくれる。ライブ本数3000回の金字塔。繊細なギターテクニックや美しいコーラスワークが漲る圧巻のパフォーマンスに、何度震えたことか。メンバーの3人は自らを、"トラベリング・バンド"と呼んでいる。東へ西へと旅をして、唄い奏でる。デビュー51年目になっても尚、まだ歩き続けるバンドに矜持を忘れることはない。プロ野球のイチローさんも、こう言っていた。小さいことを積み重ねる事が、とんでもないところへ行くただひとつの道だ、と。もしも今、バンドとしてプロのミュージシャンを目指している人たちがいるならば、今回の展示を是非お勧めしたい。仲間、チームワークの意義やバンドって何だろう、結束するって何なのだろう、という色んなヒントが、きっと何処かに隠されているに違いないから。THE ALFEEの曲の中に、『From the past to the future』という名曲がある。過去から未来へ。一旦立ち止まって、自分を見つめ直す時にこの歌を聴くと、心にじわじわと何かを語りかけてくれる。これまで何度この歌に助けられたことだろう、ただ黙って遠くを見つめていた時も、沸々と涙が溢れ出た時も、この歌は寄り添っていてくれた。だからこそ自分は、音楽にある無限の力を信じずにはいられない。　仲間といえば、前の職場の同僚とともにあるチャレンジをすることになった。明日は久々に仲間の女性と語り合う。皆、親子ほど年の離れた若い衆だ。将来に対するビジョンをきちんと持っていて、夢を語る時の眼差しはいつもキラキラとしている。其々が名門の大学を卒業又は在籍しているせいか、やはり地頭が良い。言語化することが皆上手いなあ、と感じる。世代の違う考え方は大切だし、自分にとっても大きな刺激になる。歳を重ねると分かったようなフリをしてしまいがちで、決してそれが正しいとは言い切れないからね。それに若者は皆、いつも未来を見据えている。年寄りがいつまでも、"あの頃"にしがみついていてもしょうがないし、まだまだ伸び代、悟りには早い。こんな時代だからこそ、明るい未来を描かなきゃ。明るい提灯。 ...

🧠 概要： 概要 この記事は、音楽生成プラットフォーム「SUNO」を使用したハウスミュージックとアヴァンギャルド・ジャズの融合について詳述しています。特に、音楽のプロンプトや使用した要素が述べられ、最終的な作品がどのように完成したのかが説明されています。 要約の箇条書き SUNOによる音楽生成実験が行われた。 ハウスミュージックとアヴァンギャルド・ジャズを組み合わせて制作。 調整されたベースがインスパイアリングな仕上がり。 音楽のプロンプトは「128 BPM avant-jazz × house」。 ドラムには909キックとダスティハットシェフが使用。 アップライトベースがサイドチェーンのシンセと共に使われている。 キーとしてスパースなクォータルピアノとミューテッドローズが取り入れられた。 曲の構成は、導入部、ブレイクダウン、フルミックス、フェードアウトで構成。 ローファイなサウンドで統一された雰囲気を持ち、ミニマルなデコレーションを保持。 本日のSUNOによる音楽生成実験。ハウスミュージックとアヴァンギャルド・ジャズを合体。結果、ベースがとてもインスパイリングに仕上げりました。アルペジオやコードの展開とか参考にしようかな。▼SUNO紹介コード（相互に250クレジットプレゼント）https://suno.com/invite/@minimalorder▼本日のプロンプト文128 BPM avant-jazz × houseNo vox. 4/4 yet loose: 60 % swing, ±12 ms micro-timing on hats &...

🧠 概要： 概要 この記事は、著者の楽器遍歴の一部である「ピアノ」に焦点を当てています。著者は小学1年生でピアノを始めるも、様々な障害に直面しながら音楽と向き合ってきた個人的な経験を語っています。交通事故をきっかけにピアノを始めたが、途中で挫折するも再び音楽に目覚め、最終的にはピアニストとしての活動も経験します。 要約の箇条書き 初めての楽器は小学1年生から始めたピアノ。 交通事故による後遺症でサッカーを断念し、ピアノを習うことに。 昭和から平成にかけての時代背景の中でピアノ教室に通うのが苦痛だった。 小5でピアノを辞め、その後アップライトピアノは置物になった。 中学2年でピアノと別れるが、年齢を重ねて再びピアノに向き合うようになる。 氷室京介の曲に感化され、独学で耳コピに挑戦。 19歳の時、KAWAIのアップライトを購入し、洋楽を弾くようになる。 21歳でピアノ教室の先生と出会い、音楽を通じての交流が始まる。 フレンチレストランでピアニストとして演奏をするチャンスを得るも、再び生ピアノのない環境に戻る。 現在も時々シンセサイザーで音楽活動を継続中。 2025年6月6日 23:17 毎日、更新を目標に色々とネタを考えています。まだ１週間で、17記事。てことは、１日あたり２つか３つ。結構、頑張ってますけど、そろそろペースダウンして、１日１記事くらいにしないと、ネタ切れが怖いですね。Suno用の作詞も１日に２つまでかな。さて、今回は、タイトルにもあるように僕の楽器遍歴について。①ピアノ記事の最初の方でも上げましたが僕の最初の楽器は小学１年生から始めたピアノでした。キッカケは、実は僕、小学１年のゴールデンウィークに交通事故に遭い、７日間の意識不明ののち、夏休みまで入院と、かなりデカめの節目を人生の早い段階で迎えました。それまで「ボールは友達⚽️」の方じゃなく『がんばれ！キッカーズ』に影響されたサッカー小僧だったのですが、その事故が原因で右足に後遺症が残り、夢を見続ける前に夢が終わりました。そんな僕を見兼ねた母からピアノを薦められ、教室に通うことになり、おばあちゃんからYAMAHAのアップライトピアノを買ってもらいました。しかしながら、僕の小学生だった頃はまだ昭和の終わりと平成の始まりのような時代。ファミコンやPCエンジンなどのインドアなものからミニ四駆を側溝で走らせたり、ドッジボールをするなどのアウトドアなものまで同級生がわいのわいの遊んでいる中、ピアノ教室に行くのが苦で苦で仕方ありませんでした。そんなワケで、もちろん身に入ることもなく小５で辞めて、アップライトピアノは、置き物に…。ごめんね、おばあちゃん。そんなピアノにもう一度向き合うのが、小６の終わりあたりに聴いた氷室京介のLover's Day -Solitudeと言うピアノのインスト曲に出会い、すごく弾きたくなったことがキッカケ。バンドスコアの存在など知らなかったし、習ってたのはクラシックピアノだったからコードもわからなかったが、先ずは右手で主旋律は簡単に弾けた。左手は本当に苦労しながらベース（ルート）音をひとつずつ合わせて一生懸命に耳コピをして、本当にこればかり弾いていた。となりの家の駄菓子屋のセガレの弟が窓越しによく拍手をしてくれて、嬉しかった。ありがとね、はじめて義理じゃない拍手をもらえたと思う。そんなピアノだが、両親の離婚に伴う引っ越しで、中学２年のときに生ピアノとは、お別れ。それから数年後、シンセサイザー（次の記事）を手にするが、やはりピアノのタッチが恋しくなり、KAWAIのアップライト（中古）を購入するのは19歳のときになる。YAMAHAに比べると、高音が抜ける感じだが、ダンパーを踏んだときの広がりがすごく心地良かった。このピアノでは、洋楽のバラード曲をよく弾いた。僕が21歳のときに出会った女性。その人とは出会って割と早い段階で、お付き合いすることになる。ピアノ教室の先生をしていた。僕が弾くEaglesの『Hotel California』が好きだと言ってくれた。その彼女とのクリスマスデートで行ったフレンチのレストランにピアノがあった。それから数年して、そのレストランでピアニストを募集してるとのことで、洋楽のピアノのカバーでレパートリーを増やしていた僕は他の人に聴いてもらいたくて、応募することにし、見事に受かった。日中、サラリーマンをし、終業後19時から２時間弾かせてもらった。期間は半年くらいだったかな。今はまた生ピアノはない場所で暮らしている。あのタッチではないけど、88鍵盤のシンセがあるので、ピアノはたまに弾くようにしている。長くピアノと向き合っているが、忘れた基礎は、小学生時代に置いて来たので、ほぼ独学で、今もたいして上手くはないのは自分が一番わかっています。↑15年ほど前に撮った自作曲。たぶんこの頃からあんまり成長はしていないです。 日陰者な表現者、祇是 未在(タダコレ ミザイ)と申します。 主な表現手法として詩の創造、DAWでの音源制作、楽器演奏でキーボード、ギター、ドラムを嗜んでおります。最近、SUNOに出会いました。 本サイトでは主に音楽に纏わることを綴ります。よろしくお願い致します。 ...

🧠 概要： 概要 この記事は、スティーヴィー・ワンダーの「Jesus Children of America」という曲についての分析と解説を提供しています。曲は1973年に録音され、アメリカの子供たちに対するメッセージが含まれており、ファンクとゴスペルの要素を持っています。また、他のアーティストによるカバーや影響も紹介されています。 要約 曲の背景: スティーヴィー・ワンダーの1973年の作品で、彼の絶頂期の一部。 メッセージ性が強く、先進的な音楽スタイルを目指していた。 キーな要素: Stevie Wonder: 自由な音楽作りを追求し、様々な楽器を使った革新的な録音技術を取り入れた。 Robert Glasper ExperimentとLalah Hathaway: ニューヨークのジャズシーンからの影響を受けた現代的なアプローチ。 BeBe Winans: ゴスペルの影響を感じさせるパフォーマンス。 歌詞の解釈: 幼い子供たちに神の存在と意志について考えるよう呼びかけている。 「アメリカ」という文脈が重要で、メッセージは普遍的なものと関連している。 多様なアレンジ: 様々なカバーやアレンジが紹介されており、各アーティストによる独自の解釈が感じられる。 曲のメッセージ: 神への信仰を問う内容が含まれ、宗教や哲学的なテーマが絡み合っている。特に瞑想の重要性が強調されている。 このような構成で、歌の意義や多様性、そしてアートとしての価値が浮き彫りにされている。 ボーカル／ファンク・セッションの定番曲。「American」でも「Jesus Children」でもない我々にはちょっと歌いにくい曲ではありますが・・・（歌詞は最下段に掲載）和訳したものはあちこちのWebサイトに掲載されているので、ここではポイントだけ説明します。ポイント1：Stevie Wonderhttps://www.youtube.com/watch?v=8o8FVoib92w1973年録音、Stevie Wonder絶頂期の作品です。まだ23歳でしたが、既に16枚目のアルバム（少年時代を含む）。その大半はレベール（モータウン）側から指示されたポップな曲を集めたもので、その中でも天才性は見せていましたが当人はもっと自由に先進的な音楽をやりたいと、ストレスを溜めていたようです。1970年代に入ってからはMarvin Gayeなどとも呼応しながら、ちゃんとメッセージ性のある歌詞、ファンク志向、最新楽器を使用した録音に突き進みます。ギターに対抗出来るクラビネット、ベースを代替出来るシンセサイザー、音を重ねて録音出来る電子ピアノ、など。Stevie Wonderはドラムも叩けるのでデモ録音〜本番録音も可能で、自分の頭の中にある音楽をイメージ通りにカタチにすることが出来ました。争い事の嫌いな彼なりのメッセージをこめたメロウファンク曲で、歌も工夫してそれまでになかったような節回しで歌っています。コーラスが入る後半部からはゴスペルを感じさせるアレンジ。低音部をちゃんと歌えるかがポイント。ポイント2：Robert Glasper...

🧠 概要： 概要 この記事は、スティーヴィー・ワンダーの楽曲「Jesus Children Of America」に関する分析および解説を提供しています。曲の背景、メッセージ性、アレンジの特徴などが取り上げられており、他のアーティストによるカバーやバリエーションも紹介されています。 要約の箇条書き 曲の基本情報: 「Jesus Children Of America」はスティーヴィー・ワンダーの1973年のアルバムに収録された曲。 アーティストの背景: 奇才スティーヴィー・ワンダーが23歳のときに制作した作品で、彼の自由な音楽表現への欲求が表れている。 メッセージ性: 曲は争い事を嫌う彼の哲学を反映しており、ゴスペル的な要素を持つ。 音楽的アプローチ: 最新の楽器を使用し、ファンクとメッセージ性を組み合わせた独特なスタイル。 カバーとアレンジ: 他のアーティスト（Robert Glasper、BeBe Winansなど）によるバリエーションも紹介。 歌詞の内容: キリスト教の信仰だけでなく、より普遍的な神の存在についてのメッセージが込められている。 聴きどころ: 高音が求められる部分や、歌詞の深い意味を探求することが重要。 ボーカル／ファンク・セッションの定番曲。「American」でも「Jesus Children」でもない我々にはちょっと歌いにくい曲ではありますが・・・（歌詞は最下段に掲載）和訳したものはあちこちのWebサイトに掲載されているので、ここではポイントだけ説明します。ポイント1：Stevie Wonderhttps://www.youtube.com/watch?v=8o8FVoib92w1973年録音、Stevie Wonder絶頂期の作品です。まだ23歳でしたが、既に16枚目のアルバム（少年時代を含む）。その大半はレベール（モータウン）側から指示されたポップな曲を集めたもので、その中でも天才性は見せていましたが当人はもっと自由に先進的な音楽をやりたいと、ストレスを溜めていたようです。1970年代に入ってからはMarvin Gayeなどとも呼応しながら、ちゃんとメッセージ性のある歌詞、ファンク志向、最新楽器を使用した録音に突き進みます。ギターに対抗出来るクラビネット、ベースを代替出来るシンセサイザー、音を重ねて録音出来る電子ピアノ、など。Stevie Wonderはドラムも叩けるのでデモ録音〜本番録音も可能で、自分の頭の中にある音楽をイメージ通りにカタチにすることが出来ました。争い事の嫌いな彼なりのメッセージをこめたメロウファンク曲で、歌も工夫してそれまでになかったような節回しで歌っています。コーラスが入る後半部からはゴスペルを感じさせるアレンジ。低音部をちゃんと歌えるかがポイント。ポイント2：Robert Glasper...

🧠 概要： 概要 「Jesus Children Of America」はスティーヴィー・ワンダーの1973年の楽曲で、ファンクとゴスペルの要素が融合したメッセージ性のある曲です。歌詞は「神の存在とその意志」をテーマにしており、多くのアーティストによってカバーされています。この記事はこの曲のポイントや様々なバージョンについて詳述しています。 要約箇条書き 曲の紹介: スティーヴィー・ワンダーの1973年のヒット曲「Jesus Children Of America」。 音楽的背景: ワンダーの絶頂期の作品で、先進的なファンクとメッセージ性のある歌詞が特徴。 歌のスタイル: ゴスペルの要素を感じるメロウファンク。歌い方が工夫されている。 アーティスト紹介: Robert Glasper ExperimentのLalah Hathaway版（2013年録音）。 BeBe Winansのゴスペル影響を受けたライブ版（2019年録音）。 歌詞のテーマ: 「神の存在と意志」、自己反省を促す内容。 バリエーション: 様々なアーティストによる異なるアレンジが存在（例: Jeff GolubやMary J. Bligeによるサンプリング）。 歌詞の解釈: 神への呼びかけや内面的なメッセージが強調されている。 ボーカル／ファンク・セッションの定番曲。「American」でも「Jesus...

🧠 概要： 概要 この記事は、メタルバンド「THE GHOST INSIDE」が遭遇した逆境とその克服についての物語を紹介しています。特に、彼らのツアーバスが事故に遭い、多くのメンバーが重傷を負った経緯と、そこからの復活を描いています。また、彼らがどのようにして音楽を通じて希望を求め、そしてファンとともに支え合ってきたかに焦点を当てています。 要約の箇条書き 逆境の共有: DEF LEPPARDなどの成功したバンドのように、THE GHOST INSIDEも大きな逆境を経験。 事故の経緯: 2015年にツアーバスがセミトラックと衝突し、メンバーとクルーが重傷を負う。 身体的・精神的挑戦: ドラマーのアンドリューは事故で片足を失い、さらに多くのメンバーが大怪我を負った。 回復の道のり: メンバーは様々なリハビリを経て、努力と創意工夫で音楽活動に復帰。 ファンとの絆: コンサートでのファンの支援が大きな励みとなり、互いに感謝し合う。 ポジティブなメッセージ: 音楽を通じて困難を乗り越える力を与えるメッセージが強調されている。 復帰ライブの成功: 再集結のパフォーマンスは多くのファンで埋め尽くされ、彼らの精神は以前よりも強靭になっていると実感。 感謝の意: メンバーは事故を通じて得た教訓や感謝の気持ちを語り、日々を大切に生きることの重要性を認識。 オッサン、オバサンにとっては知らないバンドばかりのラウドパーク25となりそうですが、出演者の中に実は我らが DEF LEPPARD と似たような歩みを見せるバンドがいます。THE GHOST INSIDE。DEF LEPPARD はその大成功とは裏腹に、不幸に襲われ続けたバンドとして知られています。メンバーのアルコール中毒、急逝、大怪我、Slang、牛。しかし彼らはそうした逆境をメタルに宿る回復力、反発力で見事に乗り越えて、さらに大きくなって帰ってきました。THE GHOST...

🧠 概要： 概要 Sho Orihiraは、石川県七尾市出身で埼玉県川越市で育った大学院生です。音楽経験はないものの、シンガーを目指しており、歌うことと歌詞を書くことに情熱を注いでいます。 要約 石川県七尾市出身。 埼玉県川越市で育つ。 現在大学院生。 歌うことと歌詞を書くことが好き。 音楽経験はなし。 シンガーを志している。 石川県七尾市出身、埼玉県川越市育ち。大学院生になりました。うたをうたうことと、歌詞を書くことが大好きです。 音楽経験はありませんが、シンガーを志して生きています。石川県七尾市出身、埼玉県川越市育ち。大学院生になりました。うたをうたうことと、歌詞を書く… 続きをみる

🧠 概要： 概要 Nao'ymtの楽曲「End of the World」について、Sho Orihiraがその世界観、メッセージ、情景描写などを深掘りしながら解説している記事です。この楽曲は強いエフェクトと力強い歌声で始まり、終末的なテーマと人間の葛藤を描いています。 要約 壮大なエフェクト: 力強い歌声で始まり、終末感を漂わせる。 世界の正しさを問い: 英語詞での葛藤がメインテーマ。人々の不満と疑問が表現されている。 情景描写: 孤独感を伴う景色が描かれ、主人公の心境が反映されている。 新たな始まり: 終わりから新たなスタートへとシフトするメッセージが込められている。 総括: 終わりは始まりの第一歩であり、リスナーに聴いてほしい情熱が感じられる。 1.壮大なエフェクトが繰り出す世界観「End of the world」は、いきなり強いエフェクトのかかった、力強い歌声で楽曲がスタートします。黒ずんだ太陽ノイズまみれの細胞清きを守れぬ恥を捕食するパラサイトどこか終末にワープしたかのような、没入感に駆られます。この部分はリリース前(年末くらい)からNaoさんのInstagramでちょい出しされていて、元旦からすごいパワーのある楽曲が来る！とワクワクしていました。2.世界の正しさを問うフレーズ次のVerseでは、英語詞での葛藤が綴られます。個人的にはここのパートが「End of the world」の代表的なフレーズだと感じています。Is this truly the world we' ve...

🧠 概要： 概要 Nao'ymtの楽曲「End of the World」について、Sho Orihiraがその壮大なエフェクトや歌詞の意味を解説している記事です。冒頭から強いエフェクトの歌声が印象的で、歌詞には現代社会への疑問や孤独感が描かれ、最後には希望を感じさせるメッセージが込められています。 要約の箇条書き 楽曲のスタート：力強い歌声とエフェクトで始まる。 世界観の没入感：終末を感じさせる歌詞が特徴。 葛藤の表現：英語詞で世の中への不満を問いかける。 情景描写：孤独を感じさせるフレーズが印象的。 希望の兆し：孤独感から新たな始まりへの変化が描かれる。 力強いメッセージ：新しい世界を作る決意を歌う。 終わりから始まりへ：「終わりは始まり」のテーマが強調されている。 聴くことを推奨：まだ聴いていない人にぜひ聴くよう勧めている。 1.壮大なエフェクトが繰り出す世界観「End of the world」は、いきなり強いエフェクトのかかった、力強い歌声で楽曲がスタートします。黒ずんだ太陽ノイズまみれの細胞清きを守れぬ恥を捕食するパラサイトどこか終末にワープしたかのような、没入感に駆られます。この部分はリリース前(年末くらい)からNaoさんのInstagramでちょい出しされていて、元旦からすごいパワーのある楽曲が来る！とワクワクしていました。2.世界の正しさを問うフレーズ次のVerseでは、英語詞での葛藤が綴られます。個人的にはここのパートが「End of the world」の代表的なフレーズだと感じています。Is this truly the world we' ve always dreamed of?In this broken...